Persona 4

Ficha en MAL.

Persona 4 es otra de las series estrenadas en la temporada de otoño de 2011. Consta de 25 episodios, realizados por el estudio AIC A.S.T.A., del que hasta la fecha solo había visto la muy divertida Bamboo Blade, y que en España podemos conocer por su trabajo en Gun x Sword, editada por Selecta Vision. La serie adapta la entrega de mismo nombre de una saga de videojuegos, los cuales no conozco, así que esta crítica se centrará en la serie de animación, sin valorar la posible fidelidad en la adaptación.

En esta entrega la acción se desarrolla en un pequeño pueblo, donde está apareciendo gente asesinada curiosamente en los días de niebla y lluvia. Paralelamente, surgen unos rumores acerca de un extraño canal de televisión, solo visible a medianoche, donde aparecen otras versiones de uno mismo, mostrando los temores  más ocultos. Los protagonistas de la historia se sorprenden al darse cuenta que antes de aparecer el último cadáver, la víctima había aparecido en dicho canal. Para más sorpresa, parece que tienen la habilidad de traspasar la televisión y llegar a un extraño mundo...

Persona 4 reúne algunos de los ingredientes que encuentro atractivos en una serie de televisión, como ese toque fantástico y las aparentes dosis de intriga. Sin embargo y tras un interesante primer episodio donde se sientan las bases del canal de medianoche y el mundo paralelo, asistimos a varios episodios (5 o 6 más, no recuerdo bien) donde se repite el mismo esquema de presentación de personajes: nuevo integrante potencial del grupo, estos lo ven en el canal de medianoche, acaba desapareciendo del mundo real y todos los demás van al otro mundo a salvarle, tras lo cual, acabará uniéndose al resto. Esto, que claramente tiene un esquema de arcos argumentales en el videojuego, en el anime me parece que no acaba de funcionar, queda demasiado repetitivo y precipitado en el tiempo en que se desarrolla, ya que apenas pasa nada entre medias, son episodios calcados en planteamiento.

Existe otro par de problemas adicionales. Por un lado, la animación deja mucho que desear en más momentos de los que serían deseables. Podemos estar más o menos acostumbrados a cierta irregularidad, o a que el estudio muestre sus mejores cartas en los primeros episodios, pero es que en Persona 4 los fallos de animación, claramente apreciables, comienzan a aparecer muy pronto, y se mantienen durante el resto de la serie: caras irreconocibles, formas toscas del cuerpo, movimientos poco naturales... Además, visto que uno de los aparentes puntos fuertes de la serie son las batallas contra las sombras en el mundo paralelo, uno podría esperar que estas serían espectaculares, pero no las vi así. El diseño de los "Personas" son variados, encontrando algunos más inspirados que otros (al igual que los personajes), pero las batallas no tienen intensidad, ni mucha emoción, y por lo general se reducen a que al final Narukami saque alguna habilidad nueva (a veces dando la sensación de que totalmente sacadas de la manga) y venza el bicho, con el oportuno trabajo previo de desgaste del resto del grupo.

No todo son puntos negativos, no obstante. Sorprendentemente, la serie funciona bien como comedia. No brillantemente bien, pero sí me hizo bastante gracia. Tras la batería de episodios repetitivos del comienzo, asistimos a un par de episodios donde el registro cambia por completo y la serie gira a un humor absurdo y desenfadado, que encontré bastante divertido. Narukami me parecía un personaje completamente carente de carisma, pero parece que incluso ellos mismos se ríen de eso, algo que encontré bastante divertido y acertado.

Por otra parte, la línea argumental de misterio, más allá de las batallas contra las sombras, es bastante entretenida, con sus buenas dosis de giros argumentales (algunos mejores que otros), y en general, bien llevada, aunque tampoco me pareció especialmente destacable. En mi caso, el misterio junto a las pequeñas píldoras de comedia fueron lo que mantuvieron pendiente de la serie sin abandonarla, aunque la impresión final fue la de una serie que no destaca en nada en particular, con fallos de animación y que a pesar de que tiene algunos buenos momentos, en general me parece bastante prescindible.

Premios recibidos

No suelo poner este tipo de entradas, al menos no desde los últimos meses antes de cerrar el blog. Sin embargo, después de estar tanto tiempo sin actualizar, ponerse a escribir de nuevo y ver cómo hay lectores veteranos que siguen por aquí, y cómo se han incorporado nuevos lectores y piensan que este pequeño rincón de la red es un sitio interesante, le dan ganas y fuerzas a uno para seguir con esto. Además, este efecto cadena viene bien para conocer más blogs interesantes, sin duda. Me voy a tomar la libertad de "fusionar" un poco los dos premios y realizar una única y pequeña tanda de enlaces. ¡Así que vamos allá!

Empiezo con el premio otorgado por La Musaraña, ¡muchísimas gracias! En este premio, además de nombrar a la persona que me lo ha otorgado y cuyo blog os recomiendo encarecidamente por las ilustraciones tan cálidas y simpáticas que ofrece (y comentarios de cine, entre más cosas), tengo que escribir siete cosas sobre mi. No soy muy dado a eso, así que vamos a ver como sale esto:

• Me encanta hablar sobre cine, libros, cómics, anime... Puedo estar horas y horas discutiendo sobre eso. En general, puedo estar horas discutiendo sobre cualquier tema, porque también me encanta la historia y la ciencia... Eso sí, una conversación sobre lo último que ha pasado en Gran Hermano o similares, y me siento totalmente perdido y aburrido.
• Una de mis pasiones es viajar. Siempre que puedo estoy ahorrando algo de dinero para conocer mundo. El año pasado tuve la gran suerte de vivir durante tres meses en Noruega realizando una estancia para mi tesis, y fue una de las mejores experiencias de mi vida, y que recomiendo hacer a todo el mundo: salir del entorno protector que nos rodea y enfrentarse a lo desconocido, aprender nuevos puntos de vista, ver que puedes manejarte en un sitio diferente y nuevo...
• Relacionado con lo anterior, tengo varios destinos pendientes que llevo tiempo queriendo visitar, y a los que espero ir más pronto que tarde: Japón, Nueva Zelanda y Canadá. También estaban Dinamarca y/o Noruega, pero esos dos ya los visité recientemente :D
• Soy muy meticuloso y ordenado con mis colecciones. Los DVDs están ordenados por distribuidora y número de catálogo, los mangas por editorial y luego por tamaño, los libros por editorial, tamaño y catálogo... Todo tiene su orden, y si alguien me mueve algo (como cuando vivía en casa de mis padres), lo noto enseguida. Este orden no es fijo y puede variar si con ello consigo una optimización del espacio de las estanterías, pero tampoco cambia mucho (en lugar de editoriales y luego tamaño, tamaño y luego editoriales xD).
• Tengo que desayunar dos veces, como los hobbits: una por la mañana temprano (entre las 7:30 y 8:30) y luego entre las 10:30-11:00.
• Antes no era así, pero de un tiempo a esta parte me cuesta horrores levantarme por las mañanas, no hay forma de que no me quede dando vueltas una media hora adicional a cuando suena la alarma. La culpa creo que la tiene mi nuevo edredón nórdico... Se está demasiado cómodo.
• Soy pesimista por naturaleza, aunque estoy intentando reformarme. En la entrada de mi cuarto tengo este póster, para recordarme cada día, cuando voy a dormir, que hay que ser positivo.

El segundo premio se lo tengo que agradecer a Beldz, de A Young Knight Travel, ¡muchas gracias! Este premio se otorga a blogs con menos de 200 seguidores, pero que uno crea que por sus contenidos merecen un reconocimiento. Sin duda su propio blog merece este galardón, ya que tiene un sitio interesantísimo sobre arte e historia.

Entre los enlaces deberían estar ambos blogs, tanto La Musaraña (y Los Animes de Magrat,  este dedicado al manga/anime con unas reseñas fantásticas y amenas) como A Young Knight Travel. Son de mis lecturas fijas y disfruto un montón leyéndolos y comentando en sus páginas. Además me gustaría destacar a:

• La Torre del Nigromante. Empezamos prácticamente a la vez y llevo siguiéndolo desde entonces, incluso en mis temporadas de apatía donde no escribía nada. Cine, anime, libros, música... Un poco de todo, muy bien reseñadas.
• Adalides, porque se marca unas reseñas sencillamente fantásticas y completísimas tanto de cine como de cómics o literatura.
• La Espada en la Tinda, por todo el esfuerzo que le dedica el pirata a mantenernos informados de las novedades en literatura y cine fantástico.
• Escuela Scumm, por todo el cariño que destila hacia los videojuegos. Así no hay quien ahorre...

Los mencionados no tenéis que seguir la cadena, únicamente quería mostraros mi pequeño reconocimiento desde aquí :-)

Ano Natsu de Matteru

Ficha en MyAnimeList.

Otro de los estrenos de la temporada de invierno fue Ano Natsu de Matteru, y esta era una serie en la que tenía puestas muchas esperanzas para ver algo interesante. Principalmente porque su director es Tatsuyuki Nagai, cuyo trabajo me gustó mucho en Ano Hana, y que también dirigió Toradora!, serie que tengo pendiente y que cosechó muy buenas críticas. Además el veterano estudio J.C. Staff estaba al cargo de la animación, y suelen dar una calidad bastante decente a sus animes.


Ano Natsu refleja la vida de un grupo de amigos en el instituto, que un día se ve trastocada con la llegada de Ichika. Todos juntos decidirán realizar una película durante el verano para pasar el tiempo, y será precisamente este verano donde aprenderán un poco más sobre las relaciones personales, destapando diversos conflictos entre ellos.


Tenemos otra vez conflictos emocionales, y mientras que en Ano Hana teníamos a un espíritu con ganas de unir a su antiguo grupo de amigos, aquí tenemos a una extraterrestre (Ichika) que está buscando un lugar un tanto místico para los suyos, un lugar que aparece en sus recuerdos y que parece encontrarse en la Tierra. Vuelve a estar presente de nuevo ese toque fantástico, que a mi personalmente me gusta bastante.


A nivel de animación el estudio J.C. Staff vuelve a traer una obra más que decente, con un gran acabado de fondos, movimientos en las animaciones, diseño de personajes en general muy correcto y una paleta de colores variada y alegre. Además la banda sonora está bastante bien, tiene buenas piezas de distinto tipo y estas acompañan muy bien a las escenas que acompañan. Realmente estamos ante un anime estéticamente muy agradable de ver, y que a posteriori ha resultado ser su mejor baza.


Mi reticencia viene por la historia. Mientras que Ano Hana me sorprendió, Ano Natsu me ha decepcionado un tanto, sobre todo en sus primeros episodios, donde tenemos un fanservice para mi gusto totalmente innecesario, y donde asistimos a situaciones típicas y con resultados poco naturales para forzar un poco la historia. ¿Quién no ha acogido a la nueva y sexy compañera de clase en su casa en su primer día en el instituto? Pero si pensabas que ibas a tener problemas en casa tranquilo, porque tu hermana y única familia que vive contigo casualmente se va fuera y le parece de lujo la situación. No debe ser fácil presentar e introducir a un personaje nuevo en un grupo de amigos, pero estoy convencido de que había maneras mejores...

Después de unos primeros capítulos de este estilo, parece sin embargo que la serie se va asentando, así como sus personajes, y van comenzando los conflictos. Y es que en Ano Natsu no tenemos únicamente la posible relación entre ambos protagonistas con el conflicto chico-chica extraterrestre, sino que en el grupo está latente un extraño pentágono amoroso, donde todos van detrás de alguien que no les corresponde. Aquí estoy un poco dividido. Por una parte le añade un toque de valentía narrativa al no querer centrarse únicamente en la pareja protagonista (que me parecen bastante sosos, por otra parte) y desde luego esta parte del pentágono amoroso me resulta bastante interesante en lo que respecta a la historia; pero por otro lado me resulta un tanto forzado montar tanto drama en torno a casi todos los integrantes del grupo. Hay veces que dan ganas de decirles que no es para tanto...


Dentro de este grupo de seis amigos hay principales y secundarios bastante marcados, y cada uno recibe su tiempo en pantalla. Otra de las cosas que no me terminan de convencer de la serie es que la pareja protagonista (Kaito e Ichika) me parecen algo sosos, faltos de carisma, y su historia a lo largo de los capítulos por momentos me aburría considerablemente. En cambio otros secundarios como Tetsurô o Kanna me gustaron bastante, y al final acabé con bastante indiferencia respecto a Mio o Remon.


No obstante no todo son puntos negativos, a mitad de la serie el ritmo se vuelve mucho más ágil y entretenido, y aunque la historia no me terminaba de enganchar, los episodios me parecían suficientemente entretenidos para seguir viéndola. Además dosificaron bien los pequeños giros de guión para irte enganchado a final de cada episodio, en ese sentido la serie funciona bastante bien y a partir de la segunda mitad está muy bien planificada.


En general, me ha decepcionado un poco. No es que esperase una obra maestra, pero sí algo más en la línea de la muy decente Ano Hana, con unas historias mejor construidas y unos personajes más interesantes. Aquí no todas las piezas terminan de encajarme, y aunque tiene buenos momentos dramáticos y narrativos acompañados de una buena factura técnica, tiene también otros cuantos que encontré bastante aburridos y anodinos. Otra serie más, a ratos entretenida, a ratos aburrida, y que no pasará al recuerdo en mi caso, pero que tampoco es un fiasco.

Night Fishing (Paranmanjang)

Ficha en FilmAffinity.

Night Fishing es el último estreno (sin contar colaboraciones) de Park Chan-wook, uno de los directores cuya trayectoria voy siguiendo puntualmente, y que es conocido especialmente por Oldboy, estrenada hace casi ya una década. 

Night Fishing es un mediometraje de unos 30 minutos aproximadamente, una pequeña historia donde vemos cómo un hombre pesca el cadáver de una mujer una noche y cómo el pobre hombre reacciona ante tal hecho. 

Sus últimas películas, Thirst y Soy un Cyborg, no me habían parecido nada del otro mundo, aunque tengo que darle otra oportunidad a Thirst, que no me pilló en buen momento. Night Fishing por desgracia sigue en esa misma línea, lejos de obras maestras como Oldboy o Joint Security Area, o las más que decentes Sympathy for (Mr y Lady) Vengeance. 

No es una mala obra, no obstante. El problema es que creo que dura demasiado, y que esa excesiva duración le resta intensidad al final, una vez que se muestra el argumento. A lo largo de los 30 minutos, Park Chan-wook consigue transmitir mal rollo en algunas escenas, y tiene algunos momentos bastante buenos y acertados, como toda la secuencia en blanco y negro, que sin duda para mi es lo mejor de este mediometraje. En este momento es donde el director, que también es el guionista, muestra su mejor cara y habilidad, como en la fantástica escena de los anzuelos y el cadáver, que a pesar de su simpleza funciona de manera brillante.

Después de esta escena todavía podemos asistir a otro desconcertante momento, pero a partir de aquí y tras una escena de transición que no me termina de convencer, volvemos al color y se muestran todas las cartas de la historia. Y si aquí acto seguido un par de minutos o tres después hubiera puesto el fin a la misma hubiera sido mucho mejor, ya que va perdiendo fuerza a medida que pasa el tiempo, y falta todavía casi la mitad del mediometraje. Entiendo lo que quiso hacer, pero creo que dedicarle el mismo peso que al resto de la historia me parece excesivo, y se podría haber resuelto en la mitad de tiempo de manera más sutil.

La duración no da pie a valorar mucho más sin entrar a destripar el argumento; las interpretaciones  son correctas y algunos momentos son bastante interesantes como ya he comentado anteriormente, pero creo que en su conjunto le falta la fuerza narrativa y visual que consiguió años atrás. No es especialmente recomendable, salvo que te guste especialmente este director y quieras ver todo lo que hace, como es mi caso. Esperemos que en su siguiente película se muestre más regular y recupere el nivel mostrado años atrás.

Another

Ficha en MAL.

Another es un anime de 12 episodios realizado por el estudio P.A. Works, del que hace unos años ya vi el correcto drama True Tears. En esta ocasión nos presentan una historia de terror situándonos en un instituto donde hace 26 años una estudiante llamada Misaki murió, y el resto de la clase decidió actuar como si siguiera allí. 26 años después llega un nuevo estudiante a la misma clase a la que perteneció Misaki, despertando las sospechas del resto de sus compañeros, puesto que una extraña y macabra leyenda rodea a dicha clase.

No suelo ver series o películas de terror, es un género que no me atrae especialmente, pero como de la pasada temporada tenía hueco todavía para meter más series, la animación parecía interesante y la historia parecía apuntar más al terror psicológico que a los sustos, me decidí a darle una oportunidad. Y fue una buena elección, ya que pienso que junto a Chihayafuru, son los dos mejores estrenos de los últimos meses.


P.A. Works hace un buen trabajo en la animación, con unos fondos detallados y coloridos, un diseño de personajes agradable, variado y realizando un trabajo bastante decente en cuanto al movimiento de estos y su interacción con el entorno, sin que los efectos de ordenador canten demasiado. No se aprecian bajones de calidad grotescos en la serie, la música acompaña correctamente a la trama y el trabajo de los seiyuus es bueno. En el apartado técnico, Another es una buena serie, por encima de la media.


Cuando hablaba anteriormente de leyenda macabra, no eran palabras vacías. Podéis esperar ver sangre aquí, aunque se autocensura en ocasiones para no ser demasiado cruda, pero digamos que no han escatimado en el color rojo. Y es que en Another la sensación de tensión aumenta porque muere gente, y lo harán de formas extravagantes y sangrientas. 

Pero la serie no es únicamente ver muertes macabras sin ton ni son, la historia es interesante también. Debo decir que el primer capítulo no me enganchó mucho, ya que me pareció algo obvio y pensaba que la trama perdería fuerza si se ponían las cartas sobre la mesa tan rápido; además mostraba cierta tendencia a crear mal rollo de la nada, como esos flashes de las muñecas sin venir a cuento. Sin embargo, afortunadamente había más de lo que aparentaba, y la serie siguió el camino contrario al que me temía: en lugar de perder interés con el resto de capítulos fue ganándolo a base de construir bien el suspense dosificando de forma inteligente la información que vamos conociendo, al menos generalmente. Y los momentos de mal rollo se convirtieron en verdaderos momentos creados a base de tensión, no metiendo imágenes extrañas.


Es una serie que poco a poco se va construyendo y desarrollando, atrapando al espectador en su trama y en la maldición que rodea a la fatídica clase de tercer año, acompañándolos mientras buscan soluciones a la maldición, culpables, y conociendo poco a poco a los personajes de la clase. Los protagonistas de la historia son correctos, y le aportan un punto de calma, aunque no tengo todavía muy claro que sea falta de carisma. Sin embargo y en lo que respecta a lo más importante, son coherentes con sus actos y están bien construidos, pero no destacan tanto entre todos los secundarios.


Another es una historia de terror bastante decente, en líneas generales. Presenta una buena animación, una historia macabra con maldiciones propia de este tipo de series, y se desarrolla en general bastante bien, salvo alguna trampa argumental que me chirría un tanto. Aporta además algunos momentos bastante tensos (esos capítulos finales son sencillamente brutales), y en definitiva, es una muestra muy correcta de serie de terror, a mi me ha gustado bastante pese al par de defectillos que he comentado.

El Havre (Le Havre)

Ficha en FilmAffinity.

Aki Kaurismäki es uno de esos directores que tienen cierta fama dentro del círculo independiente, pero del que no había visto nada todavía. El Havre es su última película, ubicada en la ciudad portuaria francesa de mismo nombre y en la que nos presenta a Marcel Marx, un escritor bohemio que trabaja como limpiabotas, al haber renunciado a sus aspiraciones. Un día conoce a un joven inmigrante ilegal que está escapando de la policía, al que intentará ayudar.

Lo que más me ha llamado la atención de esta película han sido las interpretaciones de los actores, muy contenidas, rozando incluso la inexpresividad o tendiendo a veces a la teatralidad. Pero, sorprendentemente, al final uno le acaba cogiendo cariño a los personajes. Esta aparente inexpresividad no evita que de vez en cuando se suelten gotas de humor, que se dejan caer como respuestas sarcásticas o escenas un tanto rocambolescas, siempre desde un rostro serio. Este parece ser el estilo habitual del director, y logra formar un cóctel extraño con la historia y los secundarios, resultando en algo bastante entrañable.

Y es que la historia del ciudadano dispuesto a ayudar al inmigrante que quiere cruzar Francia porque le pilla de paso no es precisamente lo más novedoso del mundo, pero esta consigue resultar interesante gracias a lo peculiar de sus personajes y sus actuaciones. Debo decir que hay veces que esta sobriedad  no me termina de convencer, no sé si porque no termino de ver la línea divisoria entre lo intencionado de la inexpresividad o no, pero al final el conjunto resulta majo.

No obstante y a pesar de que me ha parecido una película entretenida, no es algo que recomendara ver a cualquiera para un sábado por la tarde. Yo tampoco me pondría así como así, sinceramente; este es el tipo de películas que tienes que ver sabiendo muy bien lo que estás buscando, y me da la sensación que es un director cuyo estilo no va a casar con todos. Para mi por lo menos ha resultado ser una cinta diferente y peculiar, con una historia de compañerismo y solidaridad bastante agradable y entretenida, y que creo podrá contentar a todo aquel que busque una propuesta diferente a las clásicas persecuciones, o giros que podrían darse en este tipo de historia si hubiera sido rodada en otro país. 

Porque Marcel es un personaje pícaro pero bonachón y entrañable, y a pesar de su inexpresiva mujer, uno quiere que les vaya bien las cosas, y porque el mensaje de solidaridad hacia otro ser humano te deja un buen poso en el cuerpo cuando te levantas de la butaca. Y es que los personajes dibujados en esta película son sin duda el punto fuerte de la misma.

No pasará a mi historia particular como algo especialmente destacable, pero es una película muy decente para ver algo diferente y pasar una hora y media entretenido en el cine, saliendo con una pequeña sonrisa en la boca. 

Chihayafuru

Ficha en MAL.

Chihayafuru se estrenó en la pasada temporada de otoño, y ha contado al final con un total de 25 episodios, producidos por el conocido estudio Madhouse. La protagonista es Chihaya, una estudiante de instituto cuyo mayor sueño hasta la fecha ha sido que su hermana se convierta en la modelo más popular de Japón. Pero un día conoce a Arata, un chico bastante callado de su clase y que tiene una extraordinaria pasión por un juego de cartas tradicional japonés (uta-garuta). Quiere convertirse en el mejor jugador de Japón, y contagiará esa ilusión por el juego a Chihaya.

Propuesta así la serie y habida cuenta de que el mejor amigo de Chihaya está colado por ella desde que eran niños, esta parece una clara apuesta sobre un triángulo amoroso adolescente con el telón de fondo del juego de cartas, algo exótico pero en definitiva más de lo mismo. Nada más lejos de la realidad.

En los 25 capítulos de esta serie, Chihayafuru tiende sorprendentemente más al shônen que al shôjo. A los valores de esfuerzo, amistad, compañerismo y afán de superación que a plantear una historia romántica entre los protagonistas. En definitiva, a todos aquellos valores y en las formas narrativas más propias de una serie como Hikaru no Go (por aquello de la temática exótica también) que otras como cualquier shôjo de instituto similar. Uno siempre tenía la sensación de que en cualquier momento todo el tema de las cartas se vería aparcado para plantear el conflicto romántico, y aunque hay algunas escenas que parecen apuntar en esa dirección, no son más que detalles aislados. en el conjunto global. Y no digo que hubiera estado mal, solo que me ha resultado sorprendente que tomase esta dirección, ya que me esperaba la otra.

Chihaya no estará sola en su objetivo. Su amigo de la infancia Taichi la acompañará y formarán un grupo con el que practicar y participar en torneos. La mecánica de este grupo, la dinámica de personajes, es de los puntos principales de la serie también. Uno de los pilares de la serie es la amistad, y nada mejor para desarrollar esto que el grupo que montan para jugar, ver cómo se conocen y se van ayudando y complementando, cómo su relación va creciendo a lo largo del tiempo. Para ello es importante que los personajes sean interesantes, y lo son: el quinteto principal es bastante carismático, cada uno en su estilo, se les coge cariño y proporcionarán buenos momentos a lo largo de la serie. Y a destacar Chihaya, un auténtico torbellino que le aporta un dinamismo y una calidez a la serie impagables, un personaje totalmente entrañable.

Y otra de las grandes protagonistas de la serie, más allá de Chihaya o sus locuras, son las cartas. A través de la serie uno puede notar el cariño y el respeto con el que se presenta este juego, el esfuerzo de horas y horas de prácticas y partidas necesarias para alcanzar un nivel respetable y que va más allá del mero nivel de aficionado, y el deseo de ser siempre mejor, de querer ganar y alcanzar tu objetivo. Las partidas que se presencian en la serie son dinámicas y entretenidas, a pesar de no conocer su mecánica. Esta no es muy difícil, y tras explicar rápidamente en qué consiste el juego, de vez en cuando podremos escuchar alguna estrategia a seguir, pero sin apabullar. Sin embargo, las partidas sirven fundamentalmente para desarrollar a los personajes, tanto en sus victorias como en las derrotas, mientras intentan acercarse a sus respectivos objetivos, ya sea subir de nivel o en el caso de Chihaya, convertirse en la mejor jugadora del país (Queen). Del resto de personajes que van apareciendo en las partidas hay de todo, más carismáticos (como la actual Queen) o menos, y se nos presentan jugadores honorables y otros que se ajustan al límite de las reglas para ganar.

El apartado técnico también es destacable. Madhouse presenta aquí un buen trabajo, con una animación de buen nivel en casi todo momento y una paleta de colores agradable. El diseño de personajes también lo es, y la música está a buen nivel, destacando también tanto la canción de inicio como de fin de episodio. Quizá pueda haber algún momento en que aparece alguna cara más rara e irreconocible, pero estas ocasiones no son tantas y no empañan en buen hacer general a lo largo de los 25 episodios.

Chihayafuru es una serie tremendamente entretenida y amena de ver, agradable y bien realizada, y que mezcla bien la tensión de las partidas con el humor en momentos más relajados. Además mantiene un nivel prácticamente constante en toda su extensión, y si bien no presenta ningún episodio que me haya resultado realmente memorable, todos y cada uno de ellos son altamente disfrutables, lo que tiene mucho mérito. Para mi ha sido el mejor estreno de la pasada temporada de otoño, y estoy deseando que se hagan más capítulos, ya que el manga sigue y como podréis imaginaros, la historia queda completamente en el aire.

Metrópolis

Ficha en FilmAffinity.

Ya tocaba ver todo un clásico del cine: Metropolis de Fritz Lang, una película muda del año 1927 rodada en Alemania, y que supuso la mayor inversión en cine de la época. El casi siglo que ha pasado desde su estreno y todo lo que ha vivido el mundo en este tiempo a dañado la cinta, que ha perdido parte de su metraje, siendo sustituido por explicaciones en texto sobre fondo negro, pero no dificulta en exceso su visionado. 


Metropolis se ubica en una urbe futurista, donde las clases están claramente divididas: por un lado los intelectuales, que viven en los rascacielos, y por otro los trabajadores, que viven bajo tierra y se encargan de mantener en funcionamiento toda la ciudad. Este esquema se tambaleará cuando Freder, el hijo del alcalde de la ciudad, conozca y se enamore de Maria, la hija de un trabajador.

A pesar de que dicho así quede un poco cursi, Metropolis es mucho más que un drama romántico con tintes sociales. Junto a la historia de amor de estos dos personajes que reflejan mundos completamente opuestos, está latente la convivencia y lucha de dos clases claramente diferentes. El devenir de ambas historias se entrelazará de una manera bastante correcta. Y es que teniendo en cuenta la época, sorprenden ciertas cosas de esta película. 

Por un lado, su claro mensaje social, quizá demasiado masticado y facilón argumentalmente para los paladares actuales, pero hay que ponerse en contexto, y es sorprendente lo que la película nos está contando (a pesar de que Lang luego renegara de ella diciendo exactamente eso, que era un mensaje un tanto simplista el que daba en la película). Por otro lado, sorprende también la ambientación de la ciudad y los efectos especiales, habida cuenta de que han pasado unos 85 años desde que se estrenara. El uso de maquetas es espectacular, y dentro de las limitaciones propias de la época se consigue recrear bastante bien el ambiente de rascacielos de la ciudad y el opresivo subterráneo donde viven los trabajadores. Siguiendo con el apartado técnico, a destacar también la (continua) banda sonora, acompañando perfectamente todo el metraje de la película.

Las actuaciones son importantes también, y es que estando ante una película de cine mudo, es vital que los actores transmitan todo con sus gestos. No puedo evitar encontrar este tipo de películas algo teatreras para mi gusto, pero es algo necesario y normal, y ambos actores protagonistas están bastante bien.

La película se divide en tres actos, donde creo que el primero se hace a veces un poco largo y en ocasiones se hace algo tedioso, aunque no mucho. Este dura aproximadamente una hora de las dos que tiene en total la película, y queda bastante descompensado. Creo que el ritmo no es todo lo bueno que debería ser, y si tenemos en cuenta que falta metraje, tendríamos una titánica obra que podría ser algo ardua en según qué momentos, aunque como digo antes, hay que ponerse en contexto y darse cuenta que estamos en los inicios del cine, así que se le perdona y se entiende, y no es algo que llegue a ser realmente dramático. Los otros dos actos son mucho más dinámicos y mantienen muy bien la atención del espectador, aunque el primero casi que merece la pena por la presentación de ambos estratos, regalándonos impactantes escenas como las marchas de los trabajadores o sus mecánicos movimientos mientras trabajan.

Y por último, el mensaje. 1927 y ya la película pretende lanzar un claro mensaje de optimismo y conciliación. Ambos mundos chocan y chocarán a lo largo de la historia, pero se necesitan, se complementan. Algunas consecuencias no quedan explícitamente reflejadas en la película, y eso igual podría dar lugar a dobles interpretaciones, pero no creo que el mensaje sea de conformismo, sino de unión. Sorprende ver una película tan social en los inicios del cine, mostrando tanto algunas miserias del ser humano como el trato que se les dispensa a los trabajadores o las consecuencias de algún descuido de estos, como la esperanza en una unión entre todos. Metropolis es un clásico imperecedero, una película algo árida en ocasiones pero que deja un buen poso, y que a mi me sorprendió gratamente por cómo se hizo, lo que propone y la época en la que lo hizo.

Guilty Crown

Ficha en MAL.

Guilty Crown es el último trabajo de Production I.G., veterano estudio que ya nos trajo anteriormente cosas como las series y película de Blood, FLCL o todo lo relacionado con Ghost in the Shell. En este caso, nos presenta otra historia futurista ambientada en un mundo post-apocalíptico, donde un misterioso virus hizo su aparición diez años antes causando estragos. Ahora el país está gobernado por una multinacional, mientras un grupo terrorista pretende acabar con este dominio. Ouma Shu es un estudiante de instituto que se ve envuelto en esta guerra, y que será una pieza importante, al poder utilizar una peculiar habilidad: es capaz de extraer herramientas o armas del interior de las personas.

La serie, que dura 22 episodios, venía precedida de una enorme expectación y posiblemente fuese el estreno más esperado de la pasada temporada de otoño. Y también posiblemente, esto haya jugado en su contra, aunque la serie tiene también parte de culpa. Y es que Guilty Crown es un estupendo ejemplo de la irregularidad hecha serie de televisión. Pero vamos poco a poco.

Lo primero que llama la atención es su cuidada animación y diseño de personajes. Sobresaliente el trabajo de Production I.G. una vez más, con unos escenarios muy trabajados y detallados logrando una fantástica ambientación, un nivel de animación generalmente alto en toda la serie y un diseño de personajes agradable y variado, aunque cayendo en los clásicos clichés. El apartado técnico de la serie es sin duda uno de sus puntos fuertes, tanto en animación como en el apartado sonoro, con una buena banda sonora y canciones de apertura y cierre.

La historia, o más concretamente su desarrollo, es otro cantar. Los que llevan ya algunos años en esto del anime reconocerán en su argumento posiblemente alguna decena de series más. Guilty Crown no revoluciona nada argumentalmente, aunque trata de revestirlo de otra forma con el uso de los voids (las armas y herramientas que saca Shu del interior de los demás). Me gustó esta variante y las posibilidades que ofrece, y me fue gustando más y más a medida que avanza la serie y se conocen más cosas sobre el uso de esta habilidad y sus consecuencias. A pesar de que no innova nada, esto no sería mayor problema si no fuera porque el desarrollo de la historia es tremendamente irregular. 

Tras un narrativamente típico primer episodio donde nuestro protagonista conoce a la chica y la salva y se ponen más o menos las cartas sobre la mesa en cuanto a los derroteros de la historia, los siguientes episodios derivan en una especie de comedia estudiantil con bastante tendencia a un fanservice del todo innecesario (trajecito de Inori al margen). Estos 4 o 5 episodios creo que hicieron realmente poco bien a la serie, y de hecho me llegué a plantear si seguir viéndola o no. No porque estuvieran mal, sino por lo que parecía que degeneraba la serie y la decepción que estaba suponiendo con las expectativas generadas antes de comenzar con ella. Sin embargo, los guionistas se cuidaron de meter algunos cliffhangers bastante buenos a final de ciertos episodios, manteniendo enganchado al espectador. Tenemos entonces varios episodios de los que se salva un tercio del metraje, mientras que el resto parecía más o menos relleno, y a lo que tampoco ayudaba el personaje de Shu, bastante cansino y dubitativo (¿alguien dijo Shinji Ikari?).

Obviamente Shu, siendo el protagonista, sufrirá una evolución y crecimiento personal a lo largo de la serie. Además de algunos momentos aislados en los que se convierte de repente en un héroe de acción, la evolución de su personaje es buena, en líneas generales. Del suyo y del resto, y es que a partir de la segunda mitad de la serie, momento que se inicia con el flashback donde se nos narra la aparición del virus y los hechos que dieron lugar al "Lost Christmas", la serie cambia drásticamente. A pesar de que sigue habiendo algún episodio suelto más flojo y comparable en parte a los primeros, el ritmo se vuelve muy consistente y la historia avanza a buen ritmo. Y además, de vez en cuando sorprende con episodios realmente sobresalientes, en cuanto a la historia que nos plantea y su ejecución. Guilty Crown en esta segunda parte de la serie muestra todo el potencial que parecía tener antes de su emisión.

La serie toca algunos temas muy interesantes, como el uso de estos voids y su relación con los huéspedes, así como ciertos comportamientos sociales y desarrollo personal en base a determinados sucesos de los que no quiero ser más específico, o la misma esperanza, personificada en una bella flor. Y es que Guilty Crown no se corta en mostrar escenas duras o matar personajes. Si bien pueden existir algunas lagunas en el cierre argumental de la trama, o da la sensación de que no todo queda bien explicado o algunas razones son un tanto peregrinas o tramposas, el resultado final es más o menos satisfactorio. Y por lo poco que he vuelto a ver, creo que un segundo visionado iba a ayudar, porque pasó bastante tiempo entre una parte y otra de la serie, así que igual esas lagunas no son tales o no son tantas. Sin embargo, también se lamenta uno de todo el tiempo desperdiciado en tonterías en ciertos episodios, y cuya finalidad se podría haber conseguido bastante mejor.

Una de cal y otra de arena, eso es Guilty Crown, aunque creo que en líneas generales y después de su fantástica segunda parte, las impresiones positivas pueden con las negativas. No pasará a la historia, y yo al menos la recordaré como algo que pudo haber sido mucho más, pero al final me ha parecido bastante entretenida y de gran factura técnica, y con algunos episodios brillantes que compensan los más aburridos del principio, por lo que al final ha terminado gustándome.

Eva

Ficha en FilmAffinity.

Eva es la primera película de Kike Maíllo, que hasta ahora había presentado un par de cortos y una serie de televisión, y también es un buen ejemplo de que otro tipo de cine es posible en España. Debo reconocer que tengo ciertas reticencias al cine patrio. Pero estas no son por su origen, sino por lo que ofrecen, y es que llega un momento en que solo ves propuestas sobre la Guerra Civil, o alguna comedia romántica con muchas fiestas y escenas subiditas de tono. 

Eva nos propone algo diferente, una historia de ciencia-ficción en la que en un futuro cercano, los humanos viven acompañados de robots, tanto humanoides como con forma animal. Alex, un ingeniero brillante, es contratado para intentar dar vida a un niño robot.

Lo primero que llama la atención es el entorno en que se rueda la película: un paraje completamente nevado, situando la historia en una ciudad ficticia. El rol de los personajes queda claramente establecido desde el principio, y tenemos un triángulo amoroso quizá introducido demasiado rápido. Esto no me acabó de convencer y empezaron a sonar las alarmas de que esto podía acabar degenerando bastante, pero no, todo lo contrario. Mirando la película en perspectiva no son malas escenas, y siempre se va aportando información y construyendo la historia principal, poco a poco pero sin pausa.

La película no innova ni pretende reinventar la rueda en el mundo de la inteligencia artificial, ya que la idea de la autoconciencia de un organismo creado por ceros y unos ya ha sido tratada muchas veces. Pero no importa, lo sabe y no pretende creerse que es lo que está proponiendo. Me recuerda en muchos momentos a Inteligencia Artificial, de Spielberg, pero mientras la otra se perdía en un metraje demasiado extenso y con cosas que no aportaban mucho, en Eva todo está muy bien pensado y la historia se va desarrollando con paso firme, explicando cosas sobre la inteligencia artificial, planteando alguna idea para ir dándole vueltas a la cabeza, y explicando poco a poco el presente y el pasado del triángulo amoroso. En definitiva, avanzando todas las líneas argumentales a la vez, entretejiéndolas con buen pulso narrativo.

Los actores están bastante bien, y además de los protagonistas, todos ellos bastante correctos, me gustó también el papel de Lluís Homar como Max, un encantador robot personal puesto por la universidad para acompañar y cuidar de Alex. El apartado técnico, que es bastante importante dado el tipo de historia que se plantea, cumple con creces también. El movimiento de los robots es bastante fluido y natural, quedando unos robots muy majos, como el robot-gato, y la banda sonora acompaña bastante bien a la historia.

Eva es en definitiva una propuesta interesante y diferente dentro del cine español. Y además, como película en sí, sin etiquetarla con una banderita de su país de origen, me parece una historia bastante bien llevada e interpretada, con un poso filosófico nada novedoso pero interesante, con unos personajes a los que se les acaba cogiendo cariño, y técnicamente bien rodada. A mi por lo menos me terminó conquistando su historia, y me encantaría ver más propuestas de este tipo.

Otra Tierra (Another Earth)

Ficha en FilmAffinity.

Another Earth es una de esas propuestas que, independientemente del resultado final, siempre me resultan atrayentes. Tengo debilidad por las historias de ciencia-ficción y fantasía, por lo que premisas como las de esta película siempre consiguen atraer mi atención. 

 

Nos encontramos aquí con la repentina aparición de un planeta en el cielo terrestre. No solo eso, sino que dicho planeta parece un calco en su aspecto físico al nuestro. El día que aparece dicho planeta, supondrá un giro radical en la vida de los protagonistas, debido a un trágico suceso.

Debo decir que no es la película que me esperaba. Fui a verla esperando algo más de ciencia-ficción, pero toda la trama de la Tierra paralela no es más que una excusa, un motor como cualquier otro que hace avanzar una trama centrada en el drama personal y la redención de dos personajes, Rhoda y John. El día que aparece el planeta, la vida de ambos cambiará irremediablemente, y ambos tienen que luchar por perdonarse y mirar hacia el futuro.

 

 

La historia fantástica con la otra Tierra de fondo sirve como metáfora evidente de una búsqueda de redención personal. A medida que se va descubriendo más información sobre esa Tierra alternativa, surgen las preguntas filosóficas que seguramente más de uno nos hemos preguntado más de una vez: si no hubiera hecho tal cosa, ¿qué sería de mi ahora? ¿Seguiría siendo tan desgraciado como lo soy en este momento? ¿Iría mi vida mejor o peor? Esta presencia virtual y constante de este inquietante mundo alternativo, junto con la posibilidad de ganar un viaje para ir a conocerlo, le añaden el matiz filosófico a la cinta, que deja poso en el espectador después de terminar.

Técnicamente no le podría poner muchas pegas, está bien rodada y la banda sonora es agradable. Hay algunos momentos que no me acaba de convencer o no me entero de lo que quiere contar con alguna trama más secundaria, pero en general la historia, aunque pausada, avanza a un ritmo constante y fluido, desarrollando poco a poco la relación entre los protagonistas. Es una película de corte intimista y prácticamente llevada por los dos protagonistas, convincentemente interpretados por Brit Marling, a la que no conocía de nada, y William Mapother, actor que interpretó a Ethan, uno de Los Otros, en Lost. Ambos están muy correctos en sus papeles, y tienen química en pantalla, sus escenas juntos son naturales y emotivas, y su desarrollo a lo largo de la historia es creíble y correcto.

 

 

Aunque hay algo de ciencia-ficción en la misma presencia del planeta y la aceptación de la existencia de mundos paralelos, o algunos detalles adicionales, quizá sea un tanto decepcionante para los que esperaban ver una historia más pura de ciencia-ficción, y es que no se explica absolutamente nada del porqué de la aparición de la otra Tierra de un día para otro. Personalmente no me importó mucho, porque la historia es lo suficientemente interesante como para que no me molestase, y el trasfondo filosófico que le aporta la trama fantástica creo que queda bastante bien, consigue dejar al espectador dándole vueltas después de su visionado. Aunque no plantea nada nuevo, es una cinta entretenida e interesante, y algo diferente a lo que nos llega de manera habitual.

Animal Kingdom

Ficha en FilmAffinity.

Animal Kingdom trata sobre Joshua, cuya madre muere tras una sobredosis. Su abuela se hace cargo del muchacho, pero los problemas de Joshua no hacen más que empezar, puesto que su abuela es la matriarca de un clan dedicado al tráfico de drogas en Melbourne, donde sus hijos (los tíos del chico) son los que se dedican a tan lucrativa y peligrosa actividad. Recientemente la policía ha endurecido su postura y los vigila de cerca, y Joshua se verá envuelto en una espiral de violencia difícil de evitar.

La película comienza con un plano del chico y su madre, tras fallecer esta por la sobredosis. Duro comienzo que prepara para lo que será la película, llena de dureza, violencia y situaciones de tensión en la que se ve envuelto el protagonista. Aunque Joshua es un chico tranquilo y preferiría evitar mezclarse demasiado con este ambiente, tampoco puede negar las peticiones de ayuda que le hacen sus tíos y su abuela, quizá agobiado por saber que precisamente ella se está haciendo cargo de él.

En la película todo se va complicando poco a poco, con la aparición de la policía y el endurecimiento de la postura que siguen con la familia, puesto que los conocen, sospechan de ellos y están esperando la oportunidad para ir a por ellos. El guión construye bien las situaciones de tensión, consiguiendo un buen efecto de crispación creciente y agobio, especialmente por la preocupación de cómo puede afectar todo al chico. 

Este sin embargo no ayuda mucho, ya que no encontré la actuación de James Frecheville bastante inspirada, resultado bastante monótono y con casi nula capacidad para transmitir cualquier cosa, no sé si como requisito del personaje o por la propia capacidad del actor. En cualquier caso aporta un toque muy gris al personaje de Joshua, cuyas emociones y angustia podría haber dado mucho más de sí a nivel interpretativo. En el otro extremo se encuentra Ben Mendelsohn, que interpreta a uno de los tíos de Joshua, el más duro y el que toma las riendas de la familia. Sin aportar la presencia física más intimidante, su actuación consigue transmitir una continua sensación de mal rollo y peligro constante.

Hay que destacar también el papel de Guy Pearce (al que conocemos fundamentalmente por Memento), en el paper de policía que intenta atraer a Joshua a su bando desde el principio, ofreciéndole una salida a su delicada situación. La espiral de violencia en la que se sumerge la película y las decisiones de Joshua son el motor de una cinta que refleja una lucha encarnizada por el control del territorio, la versión humana del reino animal, donde el más fuerte es el que se encarga de gobernar. La dinámica de la familia está bastante lograda, pero la trama avanza de forma irregular, y hay momentos en los que el ritmo decae considerablemente, afectando al conjunto de la película, que a pesar de todo no llega a las dos horas de duración.

Al final la sensación global es de irregularidad, con buenos elementos de suspense insertados bastante bien en la trama, y otros donde la película se hace más pesada de seguir de lo que es deseable. Resulta un thriller decente y con buenos elementos, pero que cojea a nivel de ritmo en ciertos momentos y en la interpretación del protagonista. Decente pero no memorable, por lo que pasará al cajón de las películas vistas que no serán recordadas por ser especialmente buenas o malas.

Stella

Ficha en FilmAffinity.

Stella es otra visión del paso de la infancia a la adolescencia. La chica, de 11 años, vive en la París de finales de los 70, en un entorno un tanto difícil: sus padres tienen un bar y para entrar en la casa hay que pasar por él, y Stella conoce a los clientes y pasa algún rato jugando con ellos a las cartas. No se le dan bien los estudios, y tiene dificultades para entablar amistades con sus compañeros, siendo una chica bastante solitaria.

La directora y guionista de la película, Sylvie Verheyde, nos presenta aquí un personaje en una etapa clave de su vida, y nos la presenta en un entorno difícil, aunque no hostil. Todos sabemos que Stella es querida por sus padres y por los parroquianos del bar, aunque también sabemos que no es la mejor situación para ella a su edad. Que a pesar del cariño que le tienen sus padres, estos muchas veces parecen más perdidos en sus propios problemas que en preocuparse de su propia hija, que se ha vuelto bastante independiente para la edad que tiene.

La cinta trata de abarcar diversos puntos, quizá demasiados, y aquí reside uno de sus defectos: intenta hablar de demasiadas cosas en muy corto espacio de tiempo. Las tramas no llegan a chirriar, pero aún así alguna queda un tanto suelta. No obstante hay otras que están mejor desarrolladas y forman el auténtico cuerpo de la película, como la amistad de Stella con Gladys, una hija de emigrantes intelectuales argentinos. Ambas representan dos mundos bastante diferentes, pero se compenetran bien y nos contarán la parte de la trama dedicada a la amistad, a esa amistad que no le importa la procedencia o situación de la otra. Aunque creo que esta parte es la más importante, la historia se mete también en dilemas de educación, problemas matrimoniales, el primer amor de la niña, discriminaciones e incluso alguna trama más oscura todavía. Todas estas historias y desarrollos afectan a la evolución y crecimiento personal de Stella en esa estapa tan importante de su vida.

Este tipo de historias se sustenta fundamentalmente en los personajes, y por tanto los actores, que además son niños, por lo que podrían verse abrumados por la responsabilidad. Pero no es el caso, tanto Léora Barbara (Stella) como Mélissa Rodriguès (Gladys) están muy bien en sus respectivos papeles, apoyadas por un correcto trabajo de los adultos (sorprendente Benjamin Biolay, no tanto por su actuación, que es correcta, sino por su parecido con Benicio del Toro).

La película no es muy larga, dura algo más de hora y media, aunque en algunos momentos su ritmo se resiente en ocasiones y como comentaba anteriormente, quiere abarcar demasiadas cosas, por lo que a veces se hace un poco más densa o resulta un tanto inconexa. Sin embargo, como regla general la narración es fluida, y no tiene pegas a nivel técnico. Al final, resulta una película interesante de ver y que no creo que decepcione, sobre todo si buscáis una perspectiva europea al problema de los adolescentes, aunque tampoco es especialmente recomendable. Posiblemente  existan varias películas girando alrededor de un tema similar, y de mejor resultado.

Superman: Rojo

Ficha en Anobii.

Superman: Rojo es una ucronía bastante interesante. ¿Qué hubiera pasado si el Hombre de Acero hubiera caído en la Unión Soviética de Stalin, y no en América? Me gustan este tipo de planteamientos, ya sabéis: qué hubiera pasado si los nazis no hubieran perdido la guerra, si no se hubieran extinguido los dinosaurios, o en general en cualquier batalla, si hubiera ganado el otro bando.

En esta historia, la nave de Superman aterriza en una granja de Ucrania, y se educa en un ambiente puramente comunista. Llegando cierto punto, los soviéticos los presentan al mundo con la intención de que cunda el miedo y el pánico entre el bloque occidental. Superman es un superhombre, cuenta con un amplio abanico de superpoderes, y además tiene una gran inteligencia, sería el arma definitiva, pero no quiere meterse en política y en el fondo sigue siendo Superman, no le gusta que mueran inocentes, aunque sean enemigos, y no dudaría en salvar a un civil americano de la muerte si puede evitarlo.

Bajo este interesante punto de partida se inicia la historia. Hay algunas ideas sueltas en el tomo que tienen bastante gancho y le hacen a uno pensar un poco. Por ejemplo, Superman es presentado por los soviéticos como el hombre perfecto, el que llevará adelante y propagará por el mundo los ideales del comunismo. Sin embargo, Superman no es humano, es diferente y tiene unas cualidades innatas por su propia naturaleza. Si tiene que gobernar alguien especial de una clase diferente, superior, esto choca con la propia ideología que quiere propagar... Además, si tuviera el poder de gobernar el mundo gracias a su fuerza e inteligencia superior, ¿impondría esos conceptos por la fuerza, por el bien común?

El cómic también tiene sus sombras, evidentemente uno puede ver este tomo como la clásica lucha entre el bloque occidental y los soviéticos. Qué malos son los soviéticos y los americanos son los salvadores de la humanidad. Es cierto que algo de eso hay en este cómic, puesto que por supuesto, son los americanos los que se enfrentan a este Superman comunista. De todas formas, a mi me pareció creíble el tratamiento que le han dado al personaje, su educación en un contexto social determinado, sus dudas y su evolución. Quizá en algunos momentos se deje caer hacia algunas representaciones un tanto caricaturescas de las ideologías, pero no me parece que sea algo especialmente vergonzoso, narrativamente hablando.

También existen algunas tramas que no parecen del todo bien manejadas, como la de Batman. Creo que directamente sobraba en esta historia, así como el intento de querer mostrar o relacionar a otros personajes de DC en esta historia. Por otra parte, hay algunas referencias y guiños a los conocedores de la historia que sí están bastante bien introducidos.

En general me ha parecido un cómic disfrutable e interesante, de una duración justa para contarnos lo que nos quiere contar sin extenderse innecesariamente y con un buen dibujo, claro y colorido.

Mundos Perdidos, de John Howe

Ficha en Anobii.

John Howe es uno de mis ilustradores favoritos. Su trabajo ilustrando el mundo de Tolkien es sencillamente espectacular, y sus dibujos forman parte del imaginario colectivo de todo fan de la Tierra Media que se precie. Personalmente lo conocí a través del juego de cartas de El Señor de los Anillos, el antiguo editado por JOC, y en su página web pude disfrutar de su trabajo, que por supuesto abarca más que las tierras imaginadas por Tolkien.

Además de ilustrador, conocía que Howe era un apasionado de la historia medieval, y por lo que he podido deducir de este libro, de la historia en general y la mitología, adicionalmente. En Mundos Perdidos nos presenta las leyendas o historias de civilizaciones perdidas hace siglos o milenios, mundos que desaparecieron de la faz de la tierra sin dejar apenas rastro, o cuyo legado hace tiempo que se ha repartido en sucesivas generaciones. Mundos en definitiva que seguro que atraparon a este autor y tuvieron algo que ver en el interés que demuestra por lo fantástico y lo histórico.

Camelot, Tartessos, Shambala, la Atlántida... A lo largo de las casi 100 páginas nos va relatando la historia del lugar, algunas con más detalles que otras, y todas acompañadas de ilustraciones. Cada lugar visitado viene acompañado de dibujos a color, bocetos y si procede, fotografías. En general la calidad de estas ilustraciones está bastante bien, y de hecho hay algunas que me gustaron bastante, como las de la Atlántica o Cíbola, donde se aprecia toda la majestuosidad del entorno que retrata el autor, transmitiendo esa épica mitológica del lugar.

A pesar de que la temática se presta fácilmente a ello, no es el objetivo del autor dar teorías rocambolescas al estilo de cierto programa de televisión, y únicamente se limita a presentar la mitología del lugar, la leyenda que lo envuelve, y a plantear la evolución de las teorías sobre dicho sitio, pero queda bastante claro qué sitio existió en realidad y cuál es puro mito.

A mi me ha parecido un libro bastante disfrutable, y que además compré por 5€ en el último Expocómic, por lo que creo que me ha salido más que rentable.

Si No Nosotros, ¿Quién? (Wer wenn nicht wir)

Ficha en FilmAffinity.

Hoy tengo ante mi una reseña difícil. Difícil porque no sé muy bien qué contar de esta película, que me pareció bastante insufrible. Lo peor es que con eso casi que queda todo dicho, pero no es plan de dejar una reseña en un único párrafo, así que haré lo que pueda.

Nos encontramos en la Alemania de los años 60, donde un joven estudiante y aspirante a escritor, pretende limpiar la memoria de su padre, acusado de simpatizar con el régimen de Hitler. Entre sus compañeras está Gudrun, y ambos se propondrán participar activamente en la historia de su país, para no dejar que caiga en lo que no quieren que se convierta.

¿Una película alemana sobre la etapa post-nacismo? A mi por lo menos me suena interesante, aunque hay que reconocer también que no es una peli para ponerse con palomitas después de comer. Pero se pueden tratar varios temas que potencialmente, son interesantes: ¿cómo afronta la sociedad alemana esa transición? ¿Y los protagonistas en particular? ¿Qué hacer si no estás de acuerdo con el rumbo que está tomando el mundo, especialmente con la expansión de la influencia de los americanos?


Los protagonistas de esta historia son jóvenes e idealistas, quieren cambiar el mundo y piensan que pueden hacerlo. En el caso del chico, esto contrasta con el pasado de su padre, que a ojos de todo el mundo era un simpatizante del régimen. Este tema podría haber dado para bastante más, y sin embargo se pasa casi de puntillas por él. La cinta se enfoca más en la relación entre la pareja protagonista, de hecho, se enfoca demasiado, más de lo que hacía falta y que aporta pesadez a la película. No me convencieron las actuaciones, y los personajes me resultaron por momentos bastante cargantes, no se empatiza con ellos en ningún momento.


La película en general me transmitió la misma sensación, aderezada con un ritmo bastante espeso. Asistimos a breves cortes sobre algo que han hecho los americanos en algún lugar del mundo, y eso nos indica que ha tenido lugar un breve salto temporal. Al más puro estilo Cuéntame, aunque en un margen de tiempo más pequeño, vamos asistiendo a diversos años de la historia de Alemania a través de los ojos de los protagonistas, y veremos la evolución de ese idealismo, cómo ambos lo afrontan de forma diferente. Técnicamente no suena mal, pero el resultado en pantalla es bastante decepcionante y aburrido. Todo sucede de forma atropellada y confusa, con prisas, lo que contrasta con la exasperante lentitud con la que se han contado otras cosas anteriormente.


En definitiva, una de las películas más aburridas que he visto últimamente. Para mi por lo menos ha sido una completa pérdida de tiempo, y eso que el tema me resultaba interesante.

¿Está usted de broma, señor Feynman?

Ficha en Anobii.

Richard P. Feynman fue uno de los físicos más importantes y conocidos del siglo pasado. Ganador del Premio Nobel en 1965 por su trabajo en Electrodinámica Cuántica, participó en el Proyecto Manhattan, en el comité que investigó la tragedia del Challenger y aportó un punto de vista diferente al que aproximarse a la ciencia.

Es posible que con esta pequeña descripción el número de potenciales lectores de esta reseña se haya reducido a una décima parte, pero si seguís leyendo esto es porque posiblemente, de cierta forma os interesa la ciencia y tenéis curiosidad por aquellas personas que han contribuido al desarrollo de este mundo. Y si es así, este es un buen libro sobre un persona bastante curiosa.

No hay que temer encontrarse extrañas ecuaciones diferenciales, ya que este libro es una biografía. Comienza con un joven Feynman, que ya de niño comenzaba a experimentar en su casa construyendo distintos artilugios (y asustando a sus padres con alguna alarma creada por él), pasando por sus años en la universidad como estudiante y posteriormente como estudiante de doctorado, o su etapa en Los Alamos trabajando en el Proyecto Manhattan.

Aunque la Ciencia está presente en todo momento, ya que habla de prácticas de laboratorio o algún detalle de lo que hacían en Los Alamos, el libro está enfocado a contar anécdotas, generalmente divertidas, que muestran la visión que tenía este hombre del mundo. Generalmente uno se imagina a los físicos como ratas de laboratorio, con su bata blanca, perdidos en su mundo, con el pelo enmarañado y murmurando por los pasillos. Feynman fue contando las anécdotas que dieron pie a este libro mientras tocaba un tipo de tambor, al que se aficionó durante sus estancias en Brasil. Además, experimentó con algunos tipos de drogas como el LSD, se embarcó también en la pintura y aprendió varios idiomas. Tuvo sus luces y sus sombras, como todo ser humano, y él se limita simplemente a contarlo en el libro, casi siempre con cierto toque humorístico.

A modo de ejemplo se puede citar la parte del libro centrada en el Proyecto Manhattan. Mientras que en otros libros hubiéramos encontrado información sobre pruebas o información técnica sobre el proceso de desarrollo de la bomba, lo que nos encontramos aquí es una divertida historia acerca de cómo se dedicaba a forzar las cajas fuertes de la instalación. En una instalación militar con un proyecto de tal envergadura y secretismo, él se dedicaba a saltarse a la torera el protocolo de seguridad de esa forma. Al principio por necesidad, por no perder tiempo y estar en continua urgencia, otras para demostrar la inutilidad muchas veces de esas cajas fuertes, y luego ya por afición, consiguiendo tener bastante reputación en el tema. 

Me ha parecido un libro muy entretenido, y Feynman me ha resultado un personaje fascinante, así que más adelante me haré con los otros libros que escribió. Os dejo con un vídeo inspirado en sus charlas y entrevistas, perteneciente a la serie "Feynman Series".

Nader y Simin, una Separación (Jodaeiye Nader az Simin)

Ficha en FilmAffinity.

Creo que esta ha sido una de las películas más exóticas que he visto últimamente, de la que he podido disfrutar gracias al Cineclub de Alcalá al módico precio de 1€. Si bien las películas que traen no siempre son sinónimo de entretenimiento (todavía me duele alguna que otra película con la que perdí dos horas de mi vida), otras te permite descubrir buenas obras, como la que nos ocupa.

Nader y Simin, una Separación, nos presenta a un matrimonio iraní que quiere separarse. La mujer, que es profesora, quiere mudarse al extranjero, pero el marido tiene que cuidar de su padre, que está enfermo y apenas puede valerse por sí mismo, por lo que no acepta marcharse. En este punto muerto comienza la película, con el matrimonio en el juzgado declarando ante el responsable que tiene que valorar la posibilidad de divorcio y la custodia de su hija.

Como el marido tiene que trabajar y la mujer se va a casa de sus padres, contratan a una mujer para que cuide del padre. Este no es más que el principio de la película, a través de la cual podremos acceder a un pequeño esbozo de la vida en la sociedad iraní, con sus costumbres, la fuerte presencia religiosa, que lleva a todas las mujeres de cualquier edad a llevar velo, o a plantearse cómo actuar ante una determinada situación de manera que no incurran en una ofensa a su fe. Asistiremos también a disputas relacionadas con insultos al honor, mentiras, descuidos... todas ellas aportando más tensión al conjunto final.

A nivel técnico la película es muy correcta, y a pesar de que estamos hablando de dos horas de metraje en un idioma al que no estoy en absoluto acostumbrado a ver cine, no se me hizo pesada, gracias a un buen sentido del ritmo y a un sólido guión. La historia, que parte como un drama humano, tiene toques de intriga y momentos donde se respira una gran tensión, gracias al buen hacer de Farhadi, que es a su vez guionista y director y que sabe dosificar excelentemente el ritmo de la película. Todos los personajes están bien retratados y desarrollados, son creíbles y todas las actuaciones son estupendas y naturales, realmente parece que uno está viendo un pedazo de realidad a través de una mirilla. Se agradece también que prácticamente no hay escenas vacías, casi cualquier momento aporta desarrollo al conjunto, aunque parezca una tontería.

La película abarca muchos temas y muy variados desde este punto de partida, pero no agita el estandarte de ninguna postura, simplemente se limita a narrar los hechos y a contar cómo van afectando a la vida de los protagonistas. Estas vidas reflejan en el fondo el conflicto de Irán y su futuro, cómo debe actuar una sociedad regida por una teocracia como la suya pero adaptada al mundo moderno, pero es el espectador el que sacará las conclusiones que quiera. Maravillosa en ese sentido la escena final, un soberbio cierre a la película.

Estamos por tanto ante una cinta muy notable en todos los sentidos, lo que le ha valido gran cantidad de premios y menciones en numerosos certámenes de cine, como por ejemplo, por citar algunos, el Festival de Berlín (ganadora a mejor película, actor y actriz), el Globo de Oro a la mejor película de habla no inglesa y un par de nominaciones al Oscar en las categorías de mejor película de habla no inglesa y mejor guión original. Soy consciente de que muchas veces los premios no se corresponden luego con la realidad, pero en este caso me parece una película merecedora de ellos, o al menos, de la nominación. Si queréis ver algo diferente es totalmente recomendable, a mi me ha parecido de lo mejorcito que he visto en cine últimamente, sin contar cine clásico.