Guilty Crown

Ficha en MAL.

Guilty Crown es el último trabajo de Production I.G., veterano estudio que ya nos trajo anteriormente cosas como las series y película de Blood, FLCL o todo lo relacionado con Ghost in the Shell. En este caso, nos presenta otra historia futurista ambientada en un mundo post-apocalíptico, donde un misterioso virus hizo su aparición diez años antes causando estragos. Ahora el país está gobernado por una multinacional, mientras un grupo terrorista pretende acabar con este dominio. Ouma Shu es un estudiante de instituto que se ve envuelto en esta guerra, y que será una pieza importante, al poder utilizar una peculiar habilidad: es capaz de extraer herramientas o armas del interior de las personas.

La serie, que dura 22 episodios, venía precedida de una enorme expectación y posiblemente fuese el estreno más esperado de la pasada temporada de otoño. Y también posiblemente, esto haya jugado en su contra, aunque la serie tiene también parte de culpa. Y es que Guilty Crown es un estupendo ejemplo de la irregularidad hecha serie de televisión. Pero vamos poco a poco.

Lo primero que llama la atención es su cuidada animación y diseño de personajes. Sobresaliente el trabajo de Production I.G. una vez más, con unos escenarios muy trabajados y detallados logrando una fantástica ambientación, un nivel de animación generalmente alto en toda la serie y un diseño de personajes agradable y variado, aunque cayendo en los clásicos clichés. El apartado técnico de la serie es sin duda uno de sus puntos fuertes, tanto en animación como en el apartado sonoro, con una buena banda sonora y canciones de apertura y cierre.

La historia, o más concretamente su desarrollo, es otro cantar. Los que llevan ya algunos años en esto del anime reconocerán en su argumento posiblemente alguna decena de series más. Guilty Crown no revoluciona nada argumentalmente, aunque trata de revestirlo de otra forma con el uso de los voids (las armas y herramientas que saca Shu del interior de los demás). Me gustó esta variante y las posibilidades que ofrece, y me fue gustando más y más a medida que avanza la serie y se conocen más cosas sobre el uso de esta habilidad y sus consecuencias. A pesar de que no innova nada, esto no sería mayor problema si no fuera porque el desarrollo de la historia es tremendamente irregular. 

Tras un narrativamente típico primer episodio donde nuestro protagonista conoce a la chica y la salva y se ponen más o menos las cartas sobre la mesa en cuanto a los derroteros de la historia, los siguientes episodios derivan en una especie de comedia estudiantil con bastante tendencia a un fanservice del todo innecesario (trajecito de Inori al margen). Estos 4 o 5 episodios creo que hicieron realmente poco bien a la serie, y de hecho me llegué a plantear si seguir viéndola o no. No porque estuvieran mal, sino por lo que parecía que degeneraba la serie y la decepción que estaba suponiendo con las expectativas generadas antes de comenzar con ella. Sin embargo, los guionistas se cuidaron de meter algunos cliffhangers bastante buenos a final de ciertos episodios, manteniendo enganchado al espectador. Tenemos entonces varios episodios de los que se salva un tercio del metraje, mientras que el resto parecía más o menos relleno, y a lo que tampoco ayudaba el personaje de Shu, bastante cansino y dubitativo (¿alguien dijo Shinji Ikari?).

Obviamente Shu, siendo el protagonista, sufrirá una evolución y crecimiento personal a lo largo de la serie. Además de algunos momentos aislados en los que se convierte de repente en un héroe de acción, la evolución de su personaje es buena, en líneas generales. Del suyo y del resto, y es que a partir de la segunda mitad de la serie, momento que se inicia con el flashback donde se nos narra la aparición del virus y los hechos que dieron lugar al "Lost Christmas", la serie cambia drásticamente. A pesar de que sigue habiendo algún episodio suelto más flojo y comparable en parte a los primeros, el ritmo se vuelve muy consistente y la historia avanza a buen ritmo. Y además, de vez en cuando sorprende con episodios realmente sobresalientes, en cuanto a la historia que nos plantea y su ejecución. Guilty Crown en esta segunda parte de la serie muestra todo el potencial que parecía tener antes de su emisión.

La serie toca algunos temas muy interesantes, como el uso de estos voids y su relación con los huéspedes, así como ciertos comportamientos sociales y desarrollo personal en base a determinados sucesos de los que no quiero ser más específico, o la misma esperanza, personificada en una bella flor. Y es que Guilty Crown no se corta en mostrar escenas duras o matar personajes. Si bien pueden existir algunas lagunas en el cierre argumental de la trama, o da la sensación de que no todo queda bien explicado o algunas razones son un tanto peregrinas o tramposas, el resultado final es más o menos satisfactorio. Y por lo poco que he vuelto a ver, creo que un segundo visionado iba a ayudar, porque pasó bastante tiempo entre una parte y otra de la serie, así que igual esas lagunas no son tales o no son tantas. Sin embargo, también se lamenta uno de todo el tiempo desperdiciado en tonterías en ciertos episodios, y cuya finalidad se podría haber conseguido bastante mejor.

Una de cal y otra de arena, eso es Guilty Crown, aunque creo que en líneas generales y después de su fantástica segunda parte, las impresiones positivas pueden con las negativas. No pasará a la historia, y yo al menos la recordaré como algo que pudo haber sido mucho más, pero al final me ha parecido bastante entretenida y de gran factura técnica, y con algunos episodios brillantes que compensan los más aburridos del principio, por lo que al final ha terminado gustándome.

Eva

Ficha en FilmAffinity.

Eva es la primera película de Kike Maíllo, que hasta ahora había presentado un par de cortos y una serie de televisión, y también es un buen ejemplo de que otro tipo de cine es posible en España. Debo reconocer que tengo ciertas reticencias al cine patrio. Pero estas no son por su origen, sino por lo que ofrecen, y es que llega un momento en que solo ves propuestas sobre la Guerra Civil, o alguna comedia romántica con muchas fiestas y escenas subiditas de tono. 

Eva nos propone algo diferente, una historia de ciencia-ficción en la que en un futuro cercano, los humanos viven acompañados de robots, tanto humanoides como con forma animal. Alex, un ingeniero brillante, es contratado para intentar dar vida a un niño robot.

Lo primero que llama la atención es el entorno en que se rueda la película: un paraje completamente nevado, situando la historia en una ciudad ficticia. El rol de los personajes queda claramente establecido desde el principio, y tenemos un triángulo amoroso quizá introducido demasiado rápido. Esto no me acabó de convencer y empezaron a sonar las alarmas de que esto podía acabar degenerando bastante, pero no, todo lo contrario. Mirando la película en perspectiva no son malas escenas, y siempre se va aportando información y construyendo la historia principal, poco a poco pero sin pausa.

La película no innova ni pretende reinventar la rueda en el mundo de la inteligencia artificial, ya que la idea de la autoconciencia de un organismo creado por ceros y unos ya ha sido tratada muchas veces. Pero no importa, lo sabe y no pretende creerse que es lo que está proponiendo. Me recuerda en muchos momentos a Inteligencia Artificial, de Spielberg, pero mientras la otra se perdía en un metraje demasiado extenso y con cosas que no aportaban mucho, en Eva todo está muy bien pensado y la historia se va desarrollando con paso firme, explicando cosas sobre la inteligencia artificial, planteando alguna idea para ir dándole vueltas a la cabeza, y explicando poco a poco el presente y el pasado del triángulo amoroso. En definitiva, avanzando todas las líneas argumentales a la vez, entretejiéndolas con buen pulso narrativo.

Los actores están bastante bien, y además de los protagonistas, todos ellos bastante correctos, me gustó también el papel de Lluís Homar como Max, un encantador robot personal puesto por la universidad para acompañar y cuidar de Alex. El apartado técnico, que es bastante importante dado el tipo de historia que se plantea, cumple con creces también. El movimiento de los robots es bastante fluido y natural, quedando unos robots muy majos, como el robot-gato, y la banda sonora acompaña bastante bien a la historia.

Eva es en definitiva una propuesta interesante y diferente dentro del cine español. Y además, como película en sí, sin etiquetarla con una banderita de su país de origen, me parece una historia bastante bien llevada e interpretada, con un poso filosófico nada novedoso pero interesante, con unos personajes a los que se les acaba cogiendo cariño, y técnicamente bien rodada. A mi por lo menos me terminó conquistando su historia, y me encantaría ver más propuestas de este tipo.

Otra Tierra (Another Earth)

Ficha en FilmAffinity.

Another Earth es una de esas propuestas que, independientemente del resultado final, siempre me resultan atrayentes. Tengo debilidad por las historias de ciencia-ficción y fantasía, por lo que premisas como las de esta película siempre consiguen atraer mi atención. 

 

Nos encontramos aquí con la repentina aparición de un planeta en el cielo terrestre. No solo eso, sino que dicho planeta parece un calco en su aspecto físico al nuestro. El día que aparece dicho planeta, supondrá un giro radical en la vida de los protagonistas, debido a un trágico suceso.

Debo decir que no es la película que me esperaba. Fui a verla esperando algo más de ciencia-ficción, pero toda la trama de la Tierra paralela no es más que una excusa, un motor como cualquier otro que hace avanzar una trama centrada en el drama personal y la redención de dos personajes, Rhoda y John. El día que aparece el planeta, la vida de ambos cambiará irremediablemente, y ambos tienen que luchar por perdonarse y mirar hacia el futuro.

 

 

La historia fantástica con la otra Tierra de fondo sirve como metáfora evidente de una búsqueda de redención personal. A medida que se va descubriendo más información sobre esa Tierra alternativa, surgen las preguntas filosóficas que seguramente más de uno nos hemos preguntado más de una vez: si no hubiera hecho tal cosa, ¿qué sería de mi ahora? ¿Seguiría siendo tan desgraciado como lo soy en este momento? ¿Iría mi vida mejor o peor? Esta presencia virtual y constante de este inquietante mundo alternativo, junto con la posibilidad de ganar un viaje para ir a conocerlo, le añaden el matiz filosófico a la cinta, que deja poso en el espectador después de terminar.

Técnicamente no le podría poner muchas pegas, está bien rodada y la banda sonora es agradable. Hay algunos momentos que no me acaba de convencer o no me entero de lo que quiere contar con alguna trama más secundaria, pero en general la historia, aunque pausada, avanza a un ritmo constante y fluido, desarrollando poco a poco la relación entre los protagonistas. Es una película de corte intimista y prácticamente llevada por los dos protagonistas, convincentemente interpretados por Brit Marling, a la que no conocía de nada, y William Mapother, actor que interpretó a Ethan, uno de Los Otros, en Lost. Ambos están muy correctos en sus papeles, y tienen química en pantalla, sus escenas juntos son naturales y emotivas, y su desarrollo a lo largo de la historia es creíble y correcto.

 

 

Aunque hay algo de ciencia-ficción en la misma presencia del planeta y la aceptación de la existencia de mundos paralelos, o algunos detalles adicionales, quizá sea un tanto decepcionante para los que esperaban ver una historia más pura de ciencia-ficción, y es que no se explica absolutamente nada del porqué de la aparición de la otra Tierra de un día para otro. Personalmente no me importó mucho, porque la historia es lo suficientemente interesante como para que no me molestase, y el trasfondo filosófico que le aporta la trama fantástica creo que queda bastante bien, consigue dejar al espectador dándole vueltas después de su visionado. Aunque no plantea nada nuevo, es una cinta entretenida e interesante, y algo diferente a lo que nos llega de manera habitual.

Animal Kingdom

Ficha en FilmAffinity.

Animal Kingdom trata sobre Joshua, cuya madre muere tras una sobredosis. Su abuela se hace cargo del muchacho, pero los problemas de Joshua no hacen más que empezar, puesto que su abuela es la matriarca de un clan dedicado al tráfico de drogas en Melbourne, donde sus hijos (los tíos del chico) son los que se dedican a tan lucrativa y peligrosa actividad. Recientemente la policía ha endurecido su postura y los vigila de cerca, y Joshua se verá envuelto en una espiral de violencia difícil de evitar.

La película comienza con un plano del chico y su madre, tras fallecer esta por la sobredosis. Duro comienzo que prepara para lo que será la película, llena de dureza, violencia y situaciones de tensión en la que se ve envuelto el protagonista. Aunque Joshua es un chico tranquilo y preferiría evitar mezclarse demasiado con este ambiente, tampoco puede negar las peticiones de ayuda que le hacen sus tíos y su abuela, quizá agobiado por saber que precisamente ella se está haciendo cargo de él.

En la película todo se va complicando poco a poco, con la aparición de la policía y el endurecimiento de la postura que siguen con la familia, puesto que los conocen, sospechan de ellos y están esperando la oportunidad para ir a por ellos. El guión construye bien las situaciones de tensión, consiguiendo un buen efecto de crispación creciente y agobio, especialmente por la preocupación de cómo puede afectar todo al chico. 

Este sin embargo no ayuda mucho, ya que no encontré la actuación de James Frecheville bastante inspirada, resultado bastante monótono y con casi nula capacidad para transmitir cualquier cosa, no sé si como requisito del personaje o por la propia capacidad del actor. En cualquier caso aporta un toque muy gris al personaje de Joshua, cuyas emociones y angustia podría haber dado mucho más de sí a nivel interpretativo. En el otro extremo se encuentra Ben Mendelsohn, que interpreta a uno de los tíos de Joshua, el más duro y el que toma las riendas de la familia. Sin aportar la presencia física más intimidante, su actuación consigue transmitir una continua sensación de mal rollo y peligro constante.

Hay que destacar también el papel de Guy Pearce (al que conocemos fundamentalmente por Memento), en el paper de policía que intenta atraer a Joshua a su bando desde el principio, ofreciéndole una salida a su delicada situación. La espiral de violencia en la que se sumerge la película y las decisiones de Joshua son el motor de una cinta que refleja una lucha encarnizada por el control del territorio, la versión humana del reino animal, donde el más fuerte es el que se encarga de gobernar. La dinámica de la familia está bastante lograda, pero la trama avanza de forma irregular, y hay momentos en los que el ritmo decae considerablemente, afectando al conjunto de la película, que a pesar de todo no llega a las dos horas de duración.

Al final la sensación global es de irregularidad, con buenos elementos de suspense insertados bastante bien en la trama, y otros donde la película se hace más pesada de seguir de lo que es deseable. Resulta un thriller decente y con buenos elementos, pero que cojea a nivel de ritmo en ciertos momentos y en la interpretación del protagonista. Decente pero no memorable, por lo que pasará al cajón de las películas vistas que no serán recordadas por ser especialmente buenas o malas.

Stella

Ficha en FilmAffinity.

Stella es otra visión del paso de la infancia a la adolescencia. La chica, de 11 años, vive en la París de finales de los 70, en un entorno un tanto difícil: sus padres tienen un bar y para entrar en la casa hay que pasar por él, y Stella conoce a los clientes y pasa algún rato jugando con ellos a las cartas. No se le dan bien los estudios, y tiene dificultades para entablar amistades con sus compañeros, siendo una chica bastante solitaria.

La directora y guionista de la película, Sylvie Verheyde, nos presenta aquí un personaje en una etapa clave de su vida, y nos la presenta en un entorno difícil, aunque no hostil. Todos sabemos que Stella es querida por sus padres y por los parroquianos del bar, aunque también sabemos que no es la mejor situación para ella a su edad. Que a pesar del cariño que le tienen sus padres, estos muchas veces parecen más perdidos en sus propios problemas que en preocuparse de su propia hija, que se ha vuelto bastante independiente para la edad que tiene.

La cinta trata de abarcar diversos puntos, quizá demasiados, y aquí reside uno de sus defectos: intenta hablar de demasiadas cosas en muy corto espacio de tiempo. Las tramas no llegan a chirriar, pero aún así alguna queda un tanto suelta. No obstante hay otras que están mejor desarrolladas y forman el auténtico cuerpo de la película, como la amistad de Stella con Gladys, una hija de emigrantes intelectuales argentinos. Ambas representan dos mundos bastante diferentes, pero se compenetran bien y nos contarán la parte de la trama dedicada a la amistad, a esa amistad que no le importa la procedencia o situación de la otra. Aunque creo que esta parte es la más importante, la historia se mete también en dilemas de educación, problemas matrimoniales, el primer amor de la niña, discriminaciones e incluso alguna trama más oscura todavía. Todas estas historias y desarrollos afectan a la evolución y crecimiento personal de Stella en esa estapa tan importante de su vida.

Este tipo de historias se sustenta fundamentalmente en los personajes, y por tanto los actores, que además son niños, por lo que podrían verse abrumados por la responsabilidad. Pero no es el caso, tanto Léora Barbara (Stella) como Mélissa Rodriguès (Gladys) están muy bien en sus respectivos papeles, apoyadas por un correcto trabajo de los adultos (sorprendente Benjamin Biolay, no tanto por su actuación, que es correcta, sino por su parecido con Benicio del Toro).

La película no es muy larga, dura algo más de hora y media, aunque en algunos momentos su ritmo se resiente en ocasiones y como comentaba anteriormente, quiere abarcar demasiadas cosas, por lo que a veces se hace un poco más densa o resulta un tanto inconexa. Sin embargo, como regla general la narración es fluida, y no tiene pegas a nivel técnico. Al final, resulta una película interesante de ver y que no creo que decepcione, sobre todo si buscáis una perspectiva europea al problema de los adolescentes, aunque tampoco es especialmente recomendable. Posiblemente  existan varias películas girando alrededor de un tema similar, y de mejor resultado.

Superman: Rojo

Ficha en Anobii.

Superman: Rojo es una ucronía bastante interesante. ¿Qué hubiera pasado si el Hombre de Acero hubiera caído en la Unión Soviética de Stalin, y no en América? Me gustan este tipo de planteamientos, ya sabéis: qué hubiera pasado si los nazis no hubieran perdido la guerra, si no se hubieran extinguido los dinosaurios, o en general en cualquier batalla, si hubiera ganado el otro bando.

En esta historia, la nave de Superman aterriza en una granja de Ucrania, y se educa en un ambiente puramente comunista. Llegando cierto punto, los soviéticos los presentan al mundo con la intención de que cunda el miedo y el pánico entre el bloque occidental. Superman es un superhombre, cuenta con un amplio abanico de superpoderes, y además tiene una gran inteligencia, sería el arma definitiva, pero no quiere meterse en política y en el fondo sigue siendo Superman, no le gusta que mueran inocentes, aunque sean enemigos, y no dudaría en salvar a un civil americano de la muerte si puede evitarlo.

Bajo este interesante punto de partida se inicia la historia. Hay algunas ideas sueltas en el tomo que tienen bastante gancho y le hacen a uno pensar un poco. Por ejemplo, Superman es presentado por los soviéticos como el hombre perfecto, el que llevará adelante y propagará por el mundo los ideales del comunismo. Sin embargo, Superman no es humano, es diferente y tiene unas cualidades innatas por su propia naturaleza. Si tiene que gobernar alguien especial de una clase diferente, superior, esto choca con la propia ideología que quiere propagar... Además, si tuviera el poder de gobernar el mundo gracias a su fuerza e inteligencia superior, ¿impondría esos conceptos por la fuerza, por el bien común?

El cómic también tiene sus sombras, evidentemente uno puede ver este tomo como la clásica lucha entre el bloque occidental y los soviéticos. Qué malos son los soviéticos y los americanos son los salvadores de la humanidad. Es cierto que algo de eso hay en este cómic, puesto que por supuesto, son los americanos los que se enfrentan a este Superman comunista. De todas formas, a mi me pareció creíble el tratamiento que le han dado al personaje, su educación en un contexto social determinado, sus dudas y su evolución. Quizá en algunos momentos se deje caer hacia algunas representaciones un tanto caricaturescas de las ideologías, pero no me parece que sea algo especialmente vergonzoso, narrativamente hablando.

También existen algunas tramas que no parecen del todo bien manejadas, como la de Batman. Creo que directamente sobraba en esta historia, así como el intento de querer mostrar o relacionar a otros personajes de DC en esta historia. Por otra parte, hay algunas referencias y guiños a los conocedores de la historia que sí están bastante bien introducidos.

En general me ha parecido un cómic disfrutable e interesante, de una duración justa para contarnos lo que nos quiere contar sin extenderse innecesariamente y con un buen dibujo, claro y colorido.

Mundos Perdidos, de John Howe

Ficha en Anobii.

John Howe es uno de mis ilustradores favoritos. Su trabajo ilustrando el mundo de Tolkien es sencillamente espectacular, y sus dibujos forman parte del imaginario colectivo de todo fan de la Tierra Media que se precie. Personalmente lo conocí a través del juego de cartas de El Señor de los Anillos, el antiguo editado por JOC, y en su página web pude disfrutar de su trabajo, que por supuesto abarca más que las tierras imaginadas por Tolkien.

Además de ilustrador, conocía que Howe era un apasionado de la historia medieval, y por lo que he podido deducir de este libro, de la historia en general y la mitología, adicionalmente. En Mundos Perdidos nos presenta las leyendas o historias de civilizaciones perdidas hace siglos o milenios, mundos que desaparecieron de la faz de la tierra sin dejar apenas rastro, o cuyo legado hace tiempo que se ha repartido en sucesivas generaciones. Mundos en definitiva que seguro que atraparon a este autor y tuvieron algo que ver en el interés que demuestra por lo fantástico y lo histórico.

Camelot, Tartessos, Shambala, la Atlántida... A lo largo de las casi 100 páginas nos va relatando la historia del lugar, algunas con más detalles que otras, y todas acompañadas de ilustraciones. Cada lugar visitado viene acompañado de dibujos a color, bocetos y si procede, fotografías. En general la calidad de estas ilustraciones está bastante bien, y de hecho hay algunas que me gustaron bastante, como las de la Atlántica o Cíbola, donde se aprecia toda la majestuosidad del entorno que retrata el autor, transmitiendo esa épica mitológica del lugar.

A pesar de que la temática se presta fácilmente a ello, no es el objetivo del autor dar teorías rocambolescas al estilo de cierto programa de televisión, y únicamente se limita a presentar la mitología del lugar, la leyenda que lo envuelve, y a plantear la evolución de las teorías sobre dicho sitio, pero queda bastante claro qué sitio existió en realidad y cuál es puro mito.

A mi me ha parecido un libro bastante disfrutable, y que además compré por 5€ en el último Expocómic, por lo que creo que me ha salido más que rentable.

Si No Nosotros, ¿Quién? (Wer wenn nicht wir)

Ficha en FilmAffinity.

Hoy tengo ante mi una reseña difícil. Difícil porque no sé muy bien qué contar de esta película, que me pareció bastante insufrible. Lo peor es que con eso casi que queda todo dicho, pero no es plan de dejar una reseña en un único párrafo, así que haré lo que pueda.

Nos encontramos en la Alemania de los años 60, donde un joven estudiante y aspirante a escritor, pretende limpiar la memoria de su padre, acusado de simpatizar con el régimen de Hitler. Entre sus compañeras está Gudrun, y ambos se propondrán participar activamente en la historia de su país, para no dejar que caiga en lo que no quieren que se convierta.

¿Una película alemana sobre la etapa post-nacismo? A mi por lo menos me suena interesante, aunque hay que reconocer también que no es una peli para ponerse con palomitas después de comer. Pero se pueden tratar varios temas que potencialmente, son interesantes: ¿cómo afronta la sociedad alemana esa transición? ¿Y los protagonistas en particular? ¿Qué hacer si no estás de acuerdo con el rumbo que está tomando el mundo, especialmente con la expansión de la influencia de los americanos?


Los protagonistas de esta historia son jóvenes e idealistas, quieren cambiar el mundo y piensan que pueden hacerlo. En el caso del chico, esto contrasta con el pasado de su padre, que a ojos de todo el mundo era un simpatizante del régimen. Este tema podría haber dado para bastante más, y sin embargo se pasa casi de puntillas por él. La cinta se enfoca más en la relación entre la pareja protagonista, de hecho, se enfoca demasiado, más de lo que hacía falta y que aporta pesadez a la película. No me convencieron las actuaciones, y los personajes me resultaron por momentos bastante cargantes, no se empatiza con ellos en ningún momento.


La película en general me transmitió la misma sensación, aderezada con un ritmo bastante espeso. Asistimos a breves cortes sobre algo que han hecho los americanos en algún lugar del mundo, y eso nos indica que ha tenido lugar un breve salto temporal. Al más puro estilo Cuéntame, aunque en un margen de tiempo más pequeño, vamos asistiendo a diversos años de la historia de Alemania a través de los ojos de los protagonistas, y veremos la evolución de ese idealismo, cómo ambos lo afrontan de forma diferente. Técnicamente no suena mal, pero el resultado en pantalla es bastante decepcionante y aburrido. Todo sucede de forma atropellada y confusa, con prisas, lo que contrasta con la exasperante lentitud con la que se han contado otras cosas anteriormente.


En definitiva, una de las películas más aburridas que he visto últimamente. Para mi por lo menos ha sido una completa pérdida de tiempo, y eso que el tema me resultaba interesante.

¿Está usted de broma, señor Feynman?

Ficha en Anobii.

Richard P. Feynman fue uno de los físicos más importantes y conocidos del siglo pasado. Ganador del Premio Nobel en 1965 por su trabajo en Electrodinámica Cuántica, participó en el Proyecto Manhattan, en el comité que investigó la tragedia del Challenger y aportó un punto de vista diferente al que aproximarse a la ciencia.

Es posible que con esta pequeña descripción el número de potenciales lectores de esta reseña se haya reducido a una décima parte, pero si seguís leyendo esto es porque posiblemente, de cierta forma os interesa la ciencia y tenéis curiosidad por aquellas personas que han contribuido al desarrollo de este mundo. Y si es así, este es un buen libro sobre un persona bastante curiosa.

No hay que temer encontrarse extrañas ecuaciones diferenciales, ya que este libro es una biografía. Comienza con un joven Feynman, que ya de niño comenzaba a experimentar en su casa construyendo distintos artilugios (y asustando a sus padres con alguna alarma creada por él), pasando por sus años en la universidad como estudiante y posteriormente como estudiante de doctorado, o su etapa en Los Alamos trabajando en el Proyecto Manhattan.

Aunque la Ciencia está presente en todo momento, ya que habla de prácticas de laboratorio o algún detalle de lo que hacían en Los Alamos, el libro está enfocado a contar anécdotas, generalmente divertidas, que muestran la visión que tenía este hombre del mundo. Generalmente uno se imagina a los físicos como ratas de laboratorio, con su bata blanca, perdidos en su mundo, con el pelo enmarañado y murmurando por los pasillos. Feynman fue contando las anécdotas que dieron pie a este libro mientras tocaba un tipo de tambor, al que se aficionó durante sus estancias en Brasil. Además, experimentó con algunos tipos de drogas como el LSD, se embarcó también en la pintura y aprendió varios idiomas. Tuvo sus luces y sus sombras, como todo ser humano, y él se limita simplemente a contarlo en el libro, casi siempre con cierto toque humorístico.

A modo de ejemplo se puede citar la parte del libro centrada en el Proyecto Manhattan. Mientras que en otros libros hubiéramos encontrado información sobre pruebas o información técnica sobre el proceso de desarrollo de la bomba, lo que nos encontramos aquí es una divertida historia acerca de cómo se dedicaba a forzar las cajas fuertes de la instalación. En una instalación militar con un proyecto de tal envergadura y secretismo, él se dedicaba a saltarse a la torera el protocolo de seguridad de esa forma. Al principio por necesidad, por no perder tiempo y estar en continua urgencia, otras para demostrar la inutilidad muchas veces de esas cajas fuertes, y luego ya por afición, consiguiendo tener bastante reputación en el tema. 

Me ha parecido un libro muy entretenido, y Feynman me ha resultado un personaje fascinante, así que más adelante me haré con los otros libros que escribió. Os dejo con un vídeo inspirado en sus charlas y entrevistas, perteneciente a la serie "Feynman Series".

Nader y Simin, una Separación (Jodaeiye Nader az Simin)

Ficha en FilmAffinity.

Creo que esta ha sido una de las películas más exóticas que he visto últimamente, de la que he podido disfrutar gracias al Cineclub de Alcalá al módico precio de 1€. Si bien las películas que traen no siempre son sinónimo de entretenimiento (todavía me duele alguna que otra película con la que perdí dos horas de mi vida), otras te permite descubrir buenas obras, como la que nos ocupa.

Nader y Simin, una Separación, nos presenta a un matrimonio iraní que quiere separarse. La mujer, que es profesora, quiere mudarse al extranjero, pero el marido tiene que cuidar de su padre, que está enfermo y apenas puede valerse por sí mismo, por lo que no acepta marcharse. En este punto muerto comienza la película, con el matrimonio en el juzgado declarando ante el responsable que tiene que valorar la posibilidad de divorcio y la custodia de su hija.

Como el marido tiene que trabajar y la mujer se va a casa de sus padres, contratan a una mujer para que cuide del padre. Este no es más que el principio de la película, a través de la cual podremos acceder a un pequeño esbozo de la vida en la sociedad iraní, con sus costumbres, la fuerte presencia religiosa, que lleva a todas las mujeres de cualquier edad a llevar velo, o a plantearse cómo actuar ante una determinada situación de manera que no incurran en una ofensa a su fe. Asistiremos también a disputas relacionadas con insultos al honor, mentiras, descuidos... todas ellas aportando más tensión al conjunto final.

A nivel técnico la película es muy correcta, y a pesar de que estamos hablando de dos horas de metraje en un idioma al que no estoy en absoluto acostumbrado a ver cine, no se me hizo pesada, gracias a un buen sentido del ritmo y a un sólido guión. La historia, que parte como un drama humano, tiene toques de intriga y momentos donde se respira una gran tensión, gracias al buen hacer de Farhadi, que es a su vez guionista y director y que sabe dosificar excelentemente el ritmo de la película. Todos los personajes están bien retratados y desarrollados, son creíbles y todas las actuaciones son estupendas y naturales, realmente parece que uno está viendo un pedazo de realidad a través de una mirilla. Se agradece también que prácticamente no hay escenas vacías, casi cualquier momento aporta desarrollo al conjunto, aunque parezca una tontería.

La película abarca muchos temas y muy variados desde este punto de partida, pero no agita el estandarte de ninguna postura, simplemente se limita a narrar los hechos y a contar cómo van afectando a la vida de los protagonistas. Estas vidas reflejan en el fondo el conflicto de Irán y su futuro, cómo debe actuar una sociedad regida por una teocracia como la suya pero adaptada al mundo moderno, pero es el espectador el que sacará las conclusiones que quiera. Maravillosa en ese sentido la escena final, un soberbio cierre a la película.

Estamos por tanto ante una cinta muy notable en todos los sentidos, lo que le ha valido gran cantidad de premios y menciones en numerosos certámenes de cine, como por ejemplo, por citar algunos, el Festival de Berlín (ganadora a mejor película, actor y actriz), el Globo de Oro a la mejor película de habla no inglesa y un par de nominaciones al Oscar en las categorías de mejor película de habla no inglesa y mejor guión original. Soy consciente de que muchas veces los premios no se corresponden luego con la realidad, pero en este caso me parece una película merecedora de ellos, o al menos, de la nominación. Si queréis ver algo diferente es totalmente recomendable, a mi me ha parecido de lo mejorcito que he visto en cine últimamente, sin contar cine clásico.

Impresiones de la temporada de invierno de anime 2012

Como estamos ya a mitad de temporada de invierno de anime, aprovecho para recapitular mis impresiones de las series que he comenzado a seguir. En general, la impresión que tengo es la de una temporada flojilla, como también era de esperar, ya que los platos fuertes suelen venir en primavera y otoño. No obstante, a pesar de que a priori no había mucho que me resultara atrayente, empecé a ver algunas series y algo interesante sí que hay, o al menos, puede resultar decente.

Empiezo con la que más me está gustando, Another. Tenemos aquí un anime de misterio y terror. No diría que es de miedo "de sustos", sino que presenta una situación que da mal rollo y a partir de ahí cómo los personajes reaccionan a ella. La animación está bastante bien, y a pesar de que su primer episodio me pareció un tanto flojo, a medida que avanza la historia el guión va ganando fuerza e interés. Tampoco se corta en mostrar algunas escena algo gores, así que avisados estáis.

Area no Kishi está siendo una sorpresa. El comienzo de la serie apestaba a distancia a cierto clásico spokon, así que el giro en sí no fue tanto una sorpresa por el hecho en sí mismo sino por la rapidez con la que se planteaba, y es que ahí es donde aparece el verdadero punto de la serie, su verdadero comienzo. Me pilló completamente desprevenido. Puede ser algo interesante, o un pufo mayúsculo, pero de momento mantiene el interés. La animación es algo irregular, de vez en cuando se notan algunos bajones de calidad.

Vamos ahora con la gran decepción de la temporada, Ano Natsu de Matteru. Una animación muy buena, fondos coloridos y de gran calidad, un diseño de personajes agradables, y una historia con potencial interés que al menos en los primeros episodios se ve salpicada por un innecesario fanservice. La salva su calidad técnica y que todavía tengo esperanzas de que Tatsuyuki Nagai, director entre otras de Ano Hana y Toradora!, tenga algo preparado para la segunda mitad de la serie..., aunque cada vez lo espero menos. El personaje de Kanna me gusta mucho, y hay algunos personajes cuyas relaciones tienen potencial, pero me esperaba bastante más de ella.

Por último, la serie que he descartado y no voy a seguir viendo salvo que os lea que luego la cosa mejora una barbaridad y digáis que es de lo mejor hecho en la última década, Kill me Baby. Está basada en un yonkoma, y a priori podía parecer interesante para desconectar de las otras y tener un anime ligero. La animación va en esa línea, pero no puede ser que una comedia no tenga gracia. Hay algún momento aislado que resulta divertido, pero tras ver cuatro episodios comienza a cansar y la diversión que proporcionan esos momentos no compensan el aburrimiento general al ver los episodios. Por cierto, el opening es lo más rayante que he oído en tiempo, y el ending te incorpora la coreografía, es bastante pegadizo, e imagino que será repetida en diversas convenciones. Aquí os lo dejo.

No he comenzado a ver Black Rock Shooter por no cargarme más de series, pero me la están poniendo bastante bien. Son únicamente 8 episodios, así que igual hago el esfuerzo, ¿alguno de vosotros la está viendo? ¿Qué os parece? ¿Alguna más que recomendéis?

Portal

Reseña inusual hoy en la Torre, un videojuego. Estoy intentando retomar esta afición que tenía muy abandonada desde hace tiempo, y en esto tiene gran parte de culpa que me haya creado una cuenta en Steam. Aunque tengo empezada una partida al clásico Chrono Trigger, por diversas circunstancias me acabé picando con este juego y lo terminé antes.

Portal se presentó en el año 2007 como parte de la Orange Box, un conjunto de juegos desarrollados por Valve. En él, la protagonista se despierta en una cámara de cristal con la voz de una computadora. El objetivo que nos pone es ir pasando una serie de pruebas utilizando para ello el Dispositivo de Portales Portable de Aperture Science. Gracias a esta máquina, podemos conectar dos puntos del espacio de manera física y visual, pudiendo pasar de uno a otro.

La mecánica del juego es sencilla y adictiva, especialmente para todos aquellos que gusten de juegos de ingenio y puzzles. Existen 19 fases de creciente dificultad, y tenemos que superar cada una de ellas con los elementos presentes y nuestro dispositivo de portales, evitando morir en el intento. 

El dispositivo de portales es crucial, y el elemento más original del juego. Hay que pensar en cómo resolver el rompecabezas pensando en portales, conectando zonas y aprovechando los efectos derivados de estos portales. Por ejemplo, aprenderemos que se mantiene la inercia del movimiento, pero pudiendo cambiar la dirección; esto hace que una caída libre se pueda convertir en un tiro parabólico, o que se puedan utilizar caídas muy grandes como trampolín para llegar a sitios elevados inaccesibles a priori. También podremos pasar objetos a través de los portales, o desviar misiles. Todo lo que se nos ocurra.

Los puzzles no me parecieron particularmente difíciles, por lo que el juego acaba resultando muy corto, se puede pasar en 5-7 horas, dependiendo de vuestra habilidad, destreza y curiosidad por dar vueltas en por las instalaciones de Aperture Science. Los primeros puzzles son introductorios para ir pillándole el punto a los distintos elementos que aparecerán en las fases, así como al dispositivo de portales. 

Estos puzzles se empiezan a volver complicados a partir del nivel 14-15, donde sí hay que estrujarse un poco más la cabeza. No obstante, tampoco son desesperadamente difíciles, con algunos intentos lograremos pasar el desafío pertinente. Al menos en Steam, una vez que te pasas el juego aparecen mapas de bonificación, donde se pueden repetir las fases más difíciles con un extra adicional de dificultad, como blindar robots o llenar el suelo de ácido. Esto aportará el punto de desafío para todos aquellos que quieran algo más.

Además de unos gráficos bastante correctos, podremos disfrutar de un divertido sentido del humor. Muy pronto notaremos que algo raro pasa con la computadora, GLaDOS,  que no deja de observarnos y tiene un peculiar sentido del humor. Las torretas que te disparan cuando asomas tienen una voz angelical y te piden amablemente que te acerques, que no te pueden ver bien. También nos prometen tarta si logramos pasar todas las fases. Este es el tipo de detalles que os podéis esperar. 

Debo decir que me reí bastante con el juego, cosa que no esperaba, pero hay situaciones en las que los comentarios de GLaDOS son terriblemente divertidos. El juego es muy adictivo y entretenido, y asegura diversión para todos aquellos que busquen resolver rompecabezas. A mi me ha encantado, lo recomiendo sin dudar.

Por cierto, ¿para cuándo un dispositivo de portales? No hago más que pensar en cómo utilizarlo en mi vida diaria...

El Bar Coyote (Coyote Ugly)

Ficha en FilmAffinity.

El Bar Coyote es la primera y quizás más conocida película de David McNally, director que luego nos traería Canguro Jack: Trinca y Brinca (ahí queda esa contribución a la historia del cine). A partir de aquí rodó algunos capítulos de una serie de televisión y un telefilm.

Volviendo a la película que nos ocupa, El Bar Coyote cuenta una historia de sobra conocida, la de una chica joven de pueblo que se quiere ir a la ciudad, en este caso Nueva York, para triunfar como compositora, ya que ella no puede cantar por un problema de miedo escénico. Sin embargo la vida en la gran ciudad es bastante difícil, y para pagar sus facturas acaba trabajando en el Coyote Ugly, un bar regentado por Lil (Maria Bello) y donde trabajan atractivas chicas, que atraen a la clientela gracias a sus bailes y fiestas.

No es mi tipo de película, pero el fin de semana pasado surgió la oportunidad de verla y así cumplí mi cupo semanal. Además, debo decir que esta es una de esas reseñas complicadas, donde no ha habido nada especialmente bueno ni nada especialmente malo sobre lo que uno pueda comentar o incidir especialmente. El Bar Coyote es una película en líneas generales entretenida si uno no está muy exigente, gracias a su justa duración de algo más de hora y media, pero aporta bien poco al espectador. Se podría decir que es una de esas películas de usar y tirar.

Quien ya haya visto alguna película juvenil del estilo se puede hacer una idea de lo que va a encontrar aquí: las ganas de triunfar, la reticencia paterna a dejar ir a la hija, la emoción del principio y las consiguientes dificultades, los posibles romances... Es una película con un guión totalmente telegrafiado desde el primer minuto, enormemente previsible, lo que le resta fuerza a la historia, ya que uno sabe perfectamente lo que va a pasar tres cuartos de hora después.

Las actuaciones no son destacables, aunque tampoco son malas, los personajes cumplen con su papel, pero el elenco de secundarios no aporta prácticamente nada a la historia global. Lo que uno se puede esperar aquí son numerosos videoclips y coreografías, música pegadiza y varias escenas de fiesta en el local, con las consecuencias y desarrollo que uno cabría esperarse, aderezado con un poco de romance sencillo. Si os gustan ese tipo de historias, que pueden estar bien para desconectar, aquí tenéis una buena candidata a ser vista, si no lo habéis hecho ya, que tiene sus añitos. Le reconozco su mérito en ese sentido.

A mi sin embargo me dejó bastante indiferente, aunque sí me pareció entretenida, no se me hizo pesada, que ya es bastante, y aportó algún punto gracioso con el que sí me reí. Tampoco me parece una película recomendable, salvo que estéis muy interesados en cine juvenil con coreografías de bailes, fiestas y todo eso, es en definitiva, una película gris que se ve y no deja huella.

Hoshi wo Ou Kodomo

Ficha en MAL.

Hoshi wo Ou Kodomo, cuyo título oficial en inglés es Children who Chase Lost Voices from Deep Below, es la nueva película de Makoto Shinkai, uno de los directores más importantes y a tener en cuenta del panorama de anime actual.


La historia trata sobre Asuna, una chica que vive la mayor parte del tiempo sola, ya que su padre murió hace algún tiempo y su madre pasa mucho tiempo fuera de casa por su trabajo. Asuna se entretiene escuchando una especie de radio que funciona con un extraño cristal, y un día escucha una misteriosa canción. Al poco conocerá a un extraño chico, que la salva de una criatura que la ataca camino de su casa.

Esta película es su vuelta al cine tras la sensacional 5 cm per Second, la que es para mi su mejor obra, y que tengo como una de mis películas favoritas. Las expectativas por tanto con su nueva obra estaban muy altas, y eso siempre juega en contra, como ha ocurrido al final. No obstante, es una película entretenida y disfrutable, todo hay que decirlo.

Como viene siendo habitual en sus producciones, en el apartado técnico no hay nada que objetar, en todo caso justo lo contrario, el trabajo de Shinkai y Comix Wave es digno de elogio. Las películas de este hombre siempre implican una asombrosa calidad de animación, de lo mejor que uno puede encontrar en la actualidad. El colorido es apabullante, los efectos de luz y la animación conseguida en el cielo, con las nubes, los reflejos y las estrellas, son siempre vistosos y la animación y el diseño de personajes es agradable, dejando un regusto muy claro a los diseños de Ghibli. La música está bien, aunque esta vez no me ha parecido un trabajo tan redondo de Tenmon como en las dos películas anteriores de Shinkai.

La historia aúna toques de drama con fantasía, situando la acción en nuestro mundo, pero con elementos fantásticos como ciertas criaturas, que parecen salidas del bestiario de dioses de El Viaje de Chihiro, o la existencia de otra civilización oculta, el mundo de Agharta, que vive en nuestro planeta. La presencia de elementos fantásticos no es nueva en la filmografía de Shinkai, aunque hasta la fecha se había decantado más por elementos que se podrían considerar más de ciencia-ficción, como en Hoshi no Koe o Beyond the Clouds, the Promised Place, o el mazazo de realismo a todos los niveles que supone 5 Centímetros por Segundo.

Mientras que en Beyond the Clouds... la historia de ciencia-ficción era la excusa para hablar de una forma muy acertada y bonita de la amistad y la soledad, con Hoshi wo Ou Kodomo tenemos un planteamiento parecido, donde ahora el tema central es la muerte y la resurrección. Los protagonistas de esta historia tienen que afrontar el hecho de que un ser querido ya no está entre los vivos, pero en este mundo la posibilidad de devolver a alguien a la vida parece real. Esto plantea lógicamente algunos dilemas morales que quedan de alguna forma retratados en la película, aunque creo que no con toda la lucidez que sería de desear.

Creo que la mezcla de este tema, junto con la soledad de Asuna (los protagonistas de los animes de Shinkai suelen ser personas solitarias, voluntaria o involuntariamente) y el desarrollo del mundo de Agharta, no acaba de cuajar. Hay muchos temas a tratar, y Shinkai parece perderse, no tener un objetivo claro. Parecen distinguirse pinceladas de mitología en la película, pero todo queda un tanto oscuro y por definir.

Lo que sí despunta bastante es la ambientación de Agharta. El repertorio de dioses y criaturas está bastante logrado, recordando también en muchos aspectos a Ghibli, en este caso a La Princesa Mononoke. Pasear por Agharta y admirar el derroche visual que presenta tanto en escenarios como en criaturas, es toda una delicia. La parte de aventuras en este mundo es la que está más lograda de toda la película.

En definitiva, creo que la historia pierde un poco el norte, puede que por querer abarcar muchos temas o bien por no haber sabido enfocarlos con claridad..., aunque es muy disfrutable de ver gracias a la calidad de su animación, que compensa los altibajos de su ritmo. Esto no quiere decir que Hoshi wo Ou Kodomo sea una mala película, pero deja cierto regusto amargo, de algo que podría haber estado mejor. Chihiro y Mononoke son mucho más profundas en este sentido, mucho más claras y convincentes en sus argumentos y desarrollo. Las comparaciones son odiosas y estas dos son auténticos monstruos de la animación y del cine en general, pero la historia y el diseño se presta a ello, es inevitable.

No obstante, como película de aventuras es muy disfrutable, y la animación es portentosa. Quizá no estemos ante una película sobresaliente, pero es una buena opción para disfrutar de una animación espectacular y una historia entretenida.

El Golpe (The Sting)

Ficha en FilmAffinity.

He empezado bien el 2012 cinéfilo. La primera película que he visto ha sido este clásico de 1973, El Golpe (The Sting), cinta que contaba con una crítica muy favorable, aparte de haberse llevado numerosos premios en su momento. Sin embargo, como ya sabemos cómo va esto de los premios, nada mejor que verla uno mismo y juzgar.

Y sí, este es uno de esos casos donde uno entiende la buena crítica. El Golpe es una muy buena película, que cuenta además con dos actores impresionantes como son Paul Newman y Robert Redford. Y sin desmerecer también a Robert Shaw, que personifica el papel de "malo" de manera impecable.

Ambos encarnan a dos timadores de los Estados Unidos de los años 30, en plena depresión. Hooker (Redford) realiza un timo junto a su compañero y mentor, Luther. Sin embargo resulta que timan al mensajero de uno de los jefes más poderosos de la zona (Shaw), que se lo toma como algo personal y manda acabar con ellos.

Este es el punto de partida de esta trepidante historia, llena de engaños y montajes, y sobre todo de grandes actuaciones, necesarias en el tipo de personajes que encarnan, aportando varias capas interpretativas a sus personajes, y jugando un poco con el espectador. Redford, Newman y Saw cumplen con creces su cometido, aportando una importante presencia y saber hacer en todo momento.

El desarrollo de la historia está a la altura también. Una historia sencilla que plantea puro entretenimiento a base de venganza, timos, persecuciones y algún tiroteo, y que funciona muy bien a lo largo de todo el metraje. La película, de algo más de dos horas de duración, es muy amena y entretenida, no se hace pesada y constantemente avanza en la resolución de la trama, gracias a un guión muy cuidado. No hay momentos de relleno, se podría decir que cada personaje y cada momento tiene algo que decir en la construcción del desenlace final.

En general está muy bien llevada y planteada, los personajes son creíbles y muy carismáticos, todo el desarrollo de la acción es consecuente y no deja trampas apreciables, la ambientación está muy lograda y la música acompaña perfectamente. Estamos por tanto ante una película muy correcta y eficiente en todos los campos, y que cumple de sobra con su objetivo principal: entretener al espectador en todo momento, que se ve inmerso de lleno en este juego de embaucadores.

No será una película que pasará a mi memoria por algún punto específico, ya que no hay nada especialmente llamativo en ella, pero eso es porque está a un nivel alto en todos los aspectos, es un buen manual de cómo hacer cine de entretenimiento. Y únicamente por eso ya merece una mención especial, ya que no es nada fácil de lograr. Es una opción muy interesante por tanto para pasar una buena tarde de cine.

Black Mirror

Hoy os voy a hablar de una serie diferente a lo que se suele ver habitualmente en la televisión. Y para ello, hay que recurrir a la televisión británica, la (ya no tanto, pero todavía) gran desconocida.

Black Mirror consta de tres episodios de entre 40 y 50 minutos, cada uno de los cuales gira en torno a las nuevas tecnologías o posibles tecnologías futuras y cómo afectan a la vida cotidiana. Este es el único nexo en común que tienen estos tres episodios, que por otra parte no presentan a los mismos actores o directores. Tenemos por tanto una serie de realidades alternativas o futuros distópicos, con un claro toque de ciencia-ficción pero siempre mostrándose bastante realista. A continuación os hablaré con más detalle de cada uno de los episodios.

The National Anthem, ficha en FilmAffinity.

El primer episodio es el que presenta el realidad alternativa más cercana, que podría ser sin problemas el presente. No hay duda de que uno de los hechos más relevantes de los últimos años es el auge de Twitter y la consolidación de las redes sociales como medio de difusión de noticias. ¿Cómo afecta esto a nuestra vida?

Para reflejar este hecho, el primer episodio presenta un morboso caso: la princesa más querida de la casa real británica ha sido raptada, y el secuestrador amenaza con matarla si el Primer Ministro no sale en directo en todas las cadenas a determinada hora manteniendo sexo con un cerdo.

Una proposición atroz, sin duda. ¿Qué hará el Primer Ministro? Además del dilema moral de someterse a semejante humillación para salvar la vida de otro ser humano, está el tema de la cobertura nacional del suceso, y el morbo de la posibilidad de que tal hecho suceda. La acción de la prensa, las redes sociales, la increíble velocidad a la que se transfiere la información hoy día y el extraño gusto por el morbo que presenta el ser humano, es el eje centra de este episodio. Particularmente, este es uno de mis episodios favoritos, y cuyo final me parece redondo en cuanto al retrato que se hace de la sociedad.

15 Million Merits, ficha en FilmAffinity.

El segundo episodio mantiene el buen nivel del primero. Asistimos ahora a un futuro donde el ser humano está obligado a mirar constantemente pantallas de televisión, en las que se le muestran anuncios o servicios que puede contratar, como determinados programas de televisión. Para contratar estos servicios, así como para el día a día (como cepillarse los dientes), hay que pagar cierto número de créditos, que se ganan pedaleando en unas bicicletas estáticas.

Aunque este episodio es el más flojo, presenta algunas ideas interesantes. Mientras que el primero narraba la influencia de las redes sociales y la información, este se centra en la telebasura, y en cierta medida, el culto al cuerpo y la sed de distracción que muestra el ser humano. ¿Qué ocurrirá cuando en este mundo, una persona se de cuenta de lo inútil que es todo este circo? ¿Qué hará, al estar obligado a formar parte de él quiera o no?

La fuerza de voluntad y la toma de decisiones personales en este tipo de situación es vital, ¿pero qué pasa cuando el abuso de poder y la intimidación es tal que te nubla tu propio juicio? ¿Qué pasa con la posibilidad de una vida mejor y las esperanzas de la gente que cree que así puede conseguir huir de una realidad acartonada.

Se intuyen también algunas referencias a la creciente deshumanización de la sociedad, que interacciona en numerosas ocasiones a través de avatares virtuales (inspirados en los Miis y similares). Este me parece realmente un tema muy interesante, ¿quién no ha estado en una mesa llena de amigos donde están casi todos con la cabeza baja tecleando en sus smartphones? No deja de ser paradójico que en el mundo actual, más interconectado que nunca, el ser humano interaccione cara a cara cada vez menos... La pena es que esta idea no se toca tanto como me gustaría, ya que el eje central gira en torno a la telebasura, los realities y la perspectiva de un futuro mejor pasando por este tipo de shows. Buen episodio en general.

The Entire History of You, ficha en FilmAffinity.

El último episodio nos presenta una realidad alternativa donde la tecnología permite grabar todo aquello que nos sucede, a través de nuestros ojos. Se puede acceder a cualquier momento grabado por nuestra mirada, cargando una especie de película en nuestra retina que también se puede mostrar a otros, así que la gente va a todos lados con un pequeño mando para controlar este dispositivo.

Los recuerdos son un tema espinoso. Obviamente hay recuerdos que a uno le gusta rememorar, momentos felices y tiernos, fiestas con los amigos, miradas cruzadas con la persona amada..., y otros momentos que no, amargos, situaciones que hay que atravesar pero que no gusta revisitar. La cuestión entonces es, ¿se puede ser feliz si no se puede olvidar?

Los protagonistas de esta historia, una pareja, acuden a una fiesta con varios amigos. Sin embargo, no todo va tan bien como parece, y acaban discutiendo puesto que el chico cree que ella le oculta algo y le puede estar engañando con otro hombre, presente en la fiesta.

A partir de aquí comienza el enfermizo revisionado del pasado, una y otra vez, mirando cada detalle, cada gesto, cada mirada, cada palabra. Una y otra vez para sacar así conclusiones, para preguntar y seguir rememorando cosas, reconstruyendo un pasado que se quiere aclarar. Las discusiones duran poco, ya que ahora no hay nada abierto a los vagos recuerdos, se puede comprobar exactamente quién ha dicho qué. El uso de esta tecnología que hace que no se olvide el pasado, que se pueda vivir revisitandolo sin parar para nuestro regocijo o dolor, muestra sus dos caras, pero parece claro que vivir en el pasado continuamente impide vivir el presente.

Los tres episodios de Black Mirror son altamente entretenidos, se pasan en un suspiro. Esta distorsionada realidad no se encuentra tan lejos de la nuestra, no es tan irreal. No viene mal por tanto echarle un vistazo, y desde luego, creo que a más de uno lo dejará pensando sobre algunas situaciones, como me pasó a mi.

Como único fallo, me parece que hay algunos momentos en los que se detecta cierta conducción en el guión para llevarte hasta donde quiere, de manera un tanto obvia y en algunos caso, facilona. Pero es un detalle menor, ya que no es la impresión general. Sobre todo, quería remarcar que ver esta serie ha sido una agradable sorpresa, un soplo de aire fresco en el panorama televisivo, siendo desde luego totalmente recomendable.

Boku wa Tomodachi ga Sukunai

Ficha en MyAnimeList.

Boku wa Tomodachi ga Sukunai es la adaptación de una serie de novelas, con guión de Yomi Hirasaka y con dibujos de Buriki, publicadas por Media Works. El anime consta de 12 episodios, realizados por la compañía AIC Build, cuyo trabajo previo fue el anime de Ore no Imouto. Existe además una OVA que salió un par de semanas antes y que es un episodio autoconclusivo, por lo que puede verse en cualquier momento.

 

Boku wa Tomodachi reúne a un grupo de estudiantes, inadaptados sociales por diversos motivos, que forman un club con el objetivo de hacer amigos. Siento una cierta simpatía por estos personajes asociales e inadaptados, así que comencé a verla, temiéndome encontrar toneladas de fanservice, puesto que el club parecía la excusa para montar el clásico harem. 

Sin embargo, empezó siendo para mi una de las sorpresas de la temporada. Sin grandes alardes, pero con una animación decente, vistosa y colorida y un diseño de personajes agradable, planteaba unos primeros episodios interesantes en cuanto a la formación de este club de inadaptados. Estos primeros episodios estaban aderezados además con un humor fresco y divertido, aprovechando situaciones normales para montar parodias, como la del mundo de los videojuegos multijugador. Además, incluso situaciones más típicas y carne de fanservice la solventaban bastante bien, sin demasiados excesos.

El trío protagonista funcionaba bastante bien. El chico, Kodaka, es un supuesto gamberro y todos le temen (pelo rubio y por algunos malentendidos, por supuesto), Yozora puede ser muy cruel (una versión potencidada de Suzumiya Haruhi cuando se pone a importunar a Mikuru), pero tampoco resulta odiosa, y Sena es quizá la más floja, pero proporciona buenos momentos en sus piques con Yozora. Creo que el personaje de Sena se podría aprovechar mejor, y por algunas pinceladas dadas en estos 12 episodios, parece una línea argumental para el futuro.

A partir de aquí, el declive. La serie funciona bien cuando únicamente tenemos a este trío, pero cuando llega la científica salida, el estudiante que admira al prota creyendo que es un gamberro y se convierte en su esbirro/a, o especialmente la monja de 9-10 años que es la responsable del club (???), la historia comienza a hacer aguas.

Llega un momento en que parece que quiere ser más ambiciosa, pero esta parte se centra excesivamente en el trío protagonista, la participación del resto de personajes es nula. Tenemos por tanto episodios de un corte más serio, donde se quiere avanzar con la trama principal relacionada con ellos, pero están inconexos, porque se intercalan con dos o tres donde pasa bastante poca cosa. Creo que la historia no está bien tejida, y da la sensación de que la serie va dando bandazos, sin saber qué contar o cómo contarlo.

Por una parte, la mayoría de estos personajes secundarios están totalmente desaprovechados en lo que a historia se refiere. La científica salida hace que la cantidad de fanservice se dispare más y sea más facilón, aunque es más narrativo que visual. El siervo/a es un bloque de madera, en estos doce episodios no ha hecho absolutamente nada; si no lo hubieran puesto, no se habría notado mucho. Y la monja de 9-10 años  me parece un personaje cansino y ridículo en cuanto a su papel en la historia. Mención aparte merece la hermana pequeña del protagonista, que es la que mejor encaja de los secundarios, aunque también está bastante desaprovechada.

Todos estos personajes apenas son desarrollados salvo algún pequeño detalle, especialmente la hermana, y la mayoría no aporta absolutamente nada, salvo separar a Kodaka de Yozora y Sena para así enfrentar a las dos. Por otra parte, esta trama más seria carece totalmente de emoción al estar bastante clara desde el primer momento, por lo que el episodio final y el penúltimo carecen del clímax narrativo que se supone que deberían tener y que creo pretendieron darle.

Por tanto, Boku wa Tomodachi se convirtió en decepción. Posiblemente porque mis espectativas crecieron con los primeros episodios y luego me desilusioné. Si uno la ve sin esperarse nada, es posible que no se sienta defraudado, se eche unas risas en los puntos buenos que tiene (que los tiene, especialmente al principio) y disfrute de una animación que por lo general no sufre altibajos apreciables.

Por el final, la puerta queda abierta a una segunda temporada. No tengo claro si la veré o no, dependerá de cómo vaya con otras series, y de si soy capaz de cambiar el chip respecto a esta, pero es algo que no me quita el sueño.